Иллюстрации из альбома "Neue Ornamente" von Arnold Lyongrun
«Поддержка»
Как и обещал в данный пост включил все иллюстрации из альбома, возможно они дадут новые идеи для занимающихся декоративно-прикладным искусством.
Vkontakte
Twitter
Одноклассники
Антон Седер - икона стиля прекрасной эпохи модерн, часть вторая (короны)
«Поддержка»
Автор натуралистических декоративных картин в Берлине, хромолитографий. До сих пор работы художника являются иконой стиля эпохи модерн и захватывают дух своей красотой и неповторимостью. Его хромолитографии, выполненные на высококачественной бумаге, отличается богатыми цветами, часто с использованием подлинного золота и серебра...
Антон Седер - икона стиля прекрасной эпохи модерн, часть первая
Aнтон Иоганн Непомук Седер (11 января 1850, Мюнхен – 1 декабря 1916, Страсбург) - немецкий художник и декоратор из Мюнхена, первый директор Ecole Supérieure des Arts Décoratifs (Колледж Декоративных Искусств), основанный в 1890 году городом Страсбургом (в Аласас Лоррэйн), как часть плана относительно артистического возрождения области.
Директором был назначен в1889 году одержав победу над тридцатью девятью другими кандидатами. Выставки, проводившиеся в 1890-х годах, укрепили репутацию школы как инновационного учреждения и распространили ее влияние по всей Германии. Среди основных изменений, которые он внес, были его акцент на семинаре, а не на классе, и наем более молодых учителей, которые были более открыты для экспериментов.
Колледж специализировался в области архитектуры, живописи, скульптуры и дизайна мебели (Хромолитографии Антона Седера в стиле модерн 1890 г). Также он был одним из редакторов журнала The Arts and Crafts in Alsace-Lorraine. Город Страсбург и область Франция уступила Германии в 1871году и возвратила во Францию в 1918 году. Эта область мира горячо оспаривалась и французами и немцами, и стала уникальным сочетанием культур, поскольку это чередовалось между этими двумя странами. Поэтому, культурная окружающая среда была смесью французских и немецких влияний.
Известен по созданию декоративных орнаментов и мотивов The Plant in Art and Trade (Gerlach & Schenk, Vienna: 1890г.), и Animals in Decorative Art (Gerlach & Schenk, Vienna: 1896-1898г.) Печатные работы художника изданные в 1890г. Gerlach & Schenk, в Вене. для Завода в Искусстве и Торговле являются теперь символами прекрасной эры модерна, все еще захватывающей дух по красоте и оригинальности.
Автор натуралистических декоративных картин в Берлине, хромолитографий. До сих пор работы художника являются иконой стиля эпохи модерн и захватывают дух своей красотой и неповторимостью. Его хромолитографии, выполненные на высококачественной бумаге, отличается богатыми цветами, часто с использованием подлинного золота и серебра, и большими размерами, примерно 37 x 53 см. Его работы стали исходным материалом для проектировщиков тканей, обоев, керамики.
Данный пост, знакомство с ботаническими иллюстрациями Антона Седера и присутствием в них орнаментальной составляющей.
Alphonse Mucha - part 8
Альфонс Муха (1860-1939) – чешский живописец и художник-декоратор, родился в 1860 году в городе Иванчице, Моравия. Он наиболее известен своими роскошными плакатами и дизайнами продуктов, которые воплощают стиль модерн. Современный интерес к его творчеству возродился в 1980 году после выставки в Гран-Пале в Париже.
Биографические заметки о Мухе см. в части 1. Более ранние работы также см. в частях 2, 3, 4. 5, 6, 7. Это часть 8 из серии из 12 частей, посвященных творчеству Альфонса Мухи:
1905 Мадонна с лилиями
В 1902 году Мухе было поручено украсить церковь в Иерусалиме, посвященную Деве Марии. Позже проект был отменен, но не раньше, чем Муха создал эту картину. Муха назвал предмет "Дева Пуриссима" и окружил небесное видение Мадонны множеством лилий, символом чистоты.
Другой дизайн витража, также предназначенный для этого проекта, привел к созданию картины 1908 года ‘Гармония’
Декоративные фигурки Мухи 1905 года
Опубликовано в Центральной библиотеке изящных искусств, Париж:
1906 Заповеди Блаженства Цветные иллюстрации Альфонса Мухи. Опубликовано в 1906 году в рождественском номере журнала Everybody's Magazine.
Выражаю большую искреннюю признательность автору серии постов о творчестве Альфонса Мухи, за его огромный труд по собиранию такого большого количества его работ, делая репост статей Пола Уэбба, даю возможность моим читателям приобщиться к творчеству Мухи.
Информация взята с раздела "Искусство и художники" блога "Блоггер", автор Пол Уэбб - получил образование в Кембриджской школе искусств. Вскоре после окончания университета его работы были выставлены на выставке Джона Мурса в Ливерпуле, а в 1973 году - на Британской международной биеннале рисунка в Брэдфорде. В середине 1970-х годов он дважды выставлялся на крупных международных выставках оригинальных рисунков в Музее современного искусства в Риеке, и в это время его работы были приобретены Государственной художественной коллекцией его Величества. В 1987 году он был одним из десяти британских акварелистов, представленных в Музее изобразительных искусств в Бильбао. С 1990 года Уэбб в основном работает маслом на холсте. Его блог "Блоггер" существует с февраля 2010 года.
Обои и текстиль William Morris
Имя и репутация Уильяма Морриса неразрывно связаны с дизайном обоев, но существует тенденция переоценивать влияние, которое он оказал в этой области, по крайней мере, при его жизни. На самом деле, несмотря на его неизменную веру в "искусство для всех", его обои, как и большинство изделий Morris and Co., были сделаны вручную и стоили дорого, и, следовательно, имели относительно ограниченное применение. Его работы медленно находили рынок сбыта за пределами коллег-художников, и их положительно не любили некоторые влиятельные фигуры, такие как Оскар Уайльд. Тем не менее, он оказал длительное влияние на дизайн и потребление обоев, создавая дизайны, которые пользуются неизменной привлекательностью. Первым дизайном обоев Морриса была Решетка, рисунок, предложенный розой-шпалерой в саду его дома в Бекслихите, Кент.
Разработанный в 1862 году, он не был выпущен до 1864 года, задержка была вызвана неудачными экспериментами Морриса с печатью с цинковых пластин. Первым рисунком, выпущенным в 1864 году, была Маргаритка, простой рисунок из наивно нарисованных луговых цветов.
Источником послужил настенный рисунок, иллюстрированный версией "Хроник Фруассара" 15-го века, но похожие формы цветов можно увидеть на гобеленах позднего средневековья "mille-fleurs" и в ранних печатных сборниках трав. Эти два рисунка, а также следующий фруктовый узор (также известный как гранат), имеют общий средневековый характер, который связывает ранние работы Морриса в декоративно-прикладном искусстве с художниками-прерафаэлитами и с Раскином.
Его источниками были сами растения, которые он наблюдал в своих садах или на загородных прогулках, а также изображения растений на ксилографиях 16-го века (ему принадлежали копии нескольких травяных сборов 16-го и 17-го веков, в том числе знаменитый травяной сбор Джерарда), иллюстрированные рукописи, гобелены и другие текстильные изделия с цветочными изображениями.
Хотя он посоветовал тем, кто разрабатывает обои, "честно признать их механическую природу, чтобы не попасть в ловушку, пытаясь заставить вашу бумагу выглядеть так, как будто она нарисована вручную", он также поощрял сложность и проработанность, чтобы замаскировать сам повтор. Моррис разработал более 50 обоев, а его фирма изготовила еще 49 других дизайнов. Несмотря на его увлеченность обоями и его решительные взгляды на их дизайн и использование, Моррис всегда рассматривал обои как "самодельное" украшение, приемлемую замену более роскошным настенным покрытиям. Некоторые старые снобистские взгляды на обои как на имитирующий материал, дешевый вариант, все еще сохранялись, и Моррис, как состоятельный человек, предпочитал тканые текстильные драпировки для своего собственного дома. Хелена Мария Сикерт так описала гостиную в Келмскотт-Хаус, Хаммерсмит: "Красивые голубые гобелены по всей большой гостиной... атмосфера была восхитительно домашней ".
Хотя сам Моррис мало использовал обои в своей домашней обстановке, ряд богатых клиентов заказывали декоративные схемы у Morris & Co. К 1880-м годам работы Морриса рекомендовались во многих руководствах по декорированию дома, в том числе в серии "Доступное искусство дома" (1876-8). Страницы каждого были посвящены обсуждению обоев с советами о том, как выбрать лучшее из последних стилей. Бумага Морриса была слишком дорогой для большинства, но к 1880-м годам ее растущая привлекательность была признана другими дизайнерами и производителями, которые начали выпускать более дешевые бумаги в стиле Морриса.
К концу 1890-х годов обои Morris обычно встречались в "художественных" домах среднего класса. Дизайн Морриса, похоже, удовлетворил широко распространенное стремление к рисунку так, как никогда не удавалось более формальным и дидактическим проектам реформаторов, таких как Джонс и Пугин. Следующее поколение дизайнеров осознавало необходимость работы с наследием Морриса. Например, Чарльз Войси, позже описанный Essex & Co. в рекламе как "Гений рисунка", создал проекты, которые демонстрируют явное свидетельство влияния Морриса в мастерстве создания плоских, но сложных узоров и в предпочтении стилизованных органических форм и мотивов из природы.
Привожу один из комментариев к статье, но так как это перевод, чуть чуть поправил:
Спасибо за это замечательное краткое изложение контекста Морриса. (И, как обычно, фантастическая подборка примеров изображений.) Я нахожу бумагу Морриса красивой, но я не знаю, хотела бы я, чтобы они были на моих стенах. Мне кажется замечательным, что так много его рисунков, но они такие мрачные. Думаю, что, особенно в плохо освещенном (без электричества) доме 19 века, светлые обои были бы более желанными.
Вопрос к аудитории, так как дизайнов обоев Морриса много, есть ли необходимость сделать подборки с ними?
Рекламный плакат эпохи модерн
Поделиться с друзьями в социальных сетях:
Содержание статьи:
- Рекламный плакат и его история
- Знаменитые художники рекламного плаката
Рекламный плакат конца XIX столетия изменил жизнь городских жителей с первых моментов своего появления на улицах. Происходило это в одну из красивейших эпох — эпоху модерна, на улицах Парижа. Литографические рекламные плакаты авторства художников Э.М. Буиссе, Э.С. Грассе, Г.Г. Ибельса, Л. Метиве, Ж. Мюнье, Ж. Палеолога, Ж. Фера, выполненные в стиле ар-нуво очень быстро стали популярными и, сегодня, считаются коллекционной ценностью.
Рекламный плакат и его история
Жюля Шере называют родоначальником рекламного плаката, потому что именно он первый выработал основы рекламного плаката и довел его до уровня произведения искусства. До второй половины 19-го столетия афиши представляли собой лишь текстовые плакаты, на которых очень редко присутствовало какое-то изображение. Именно Шере предложил вариант афиши с большими красочными картинками, которые сопровождало немного текста. Акценты здесь делались на линиях и контурах предметов, а внимание концентрировалось на одной фигуре, за счет контрастных цветов и композиции.
За свою долгую жизнь (1836–1932) Жак Шере создал более 1000 самых разных рекламных плакатов. Он рисовал афиши для театров, выставок, казино и кабаре, рекламу лекарств, мыла, косметики, машин и многое другое.
Знаменитые художники рекламного плаката
Рекламные плакаты создавали многие начинающие французские художники того времени. Так, Пьер Боннар начался именно с плаката. Его работа победила в 1980 г. на конкурсе рекламы шампанского «Французское шампанское». Рекламой занимался Теофиль Стейнлен и Альфонс Муха. Последний даже создал собственный стиль создания рекламного плаката, который получил название «le style Mucha» — «стиль Мухи». С 1888 года он проживал в Париже и именно в этом городе он стал знаменит. Его рекламные плакаты обладали особой притягательностью и красотой. Они казались фрагментами больших картин, настолько тщательно в них были проработаны детали. Получить рекламу авторства мухи старались практически все уважающие себя компании.
Изобретение литографии вывело создание рекламного плаката на новый уровень популярности. Это было время, когда не было типографий или такой услуги, как срочная печать на холсте. С помощью литографической печати художники могли размножать копии собственных работ в таком количестве, какое им было необходимо. Теперь рекламный плакат можно было встретить в любом уголке Парижа и за его пределами. Период с 1880 по 1890 годы во Франции происходит расцвет искусства рекламного плаката. У него появляется множество поклонников, за ним начинают охотиться коллекционеры. Первая выставка художественных афиш и рекламного плаката была впервые проведена в 1897 году в Петербурге. На ней было представлено более 700 работ различных художников из 13 стран мира.
Поделиться с друзьями в социальных сетях.
Alphonse Mucha - part 7
Альфонс Муха (1860-1939) – чешский живописец и художник-декоратор, родился в 1860 году в городе Иванчице, Моравия. Он наиболее известен своими роскошными плакатами и дизайнами продуктов, которые воплощают стиль модерн. Современный интерес к его творчеству возродился в 1980 году после выставки в Гран-Пале в Париже.
Биографические заметки о Мухе см. в части 1. Более ранние работы также см. в частях 2, 3, 4. 5, 6. Это часть 7 из серии из 12 частей, посвященных творчеству Альфонса Мухи:
Часть 7 является продолжением Documents Décoratifs, показанных в части 6. Изданный в 1902 году, состоит из 72 пластин, которые иллюстрируют все, чем запомнилось движение модерн, в декоративных формах женщин, цветов, природных форм, украшений и т. д. Хотя всего 72 пластинки, я показываю связанные работы или оригиналы рядом с печатной версией, где бы я их ни нашел.
Выражаю большую искреннюю признательность автору серии постов о творчестве Альфонса Мухи, за его огромный труд по собиранию такого большого количества его работ, делая репост статей Пола Уэбба, даю возможность моим читателям приобщиться к творчеству Мухи.
Информация взята с раздела "Искусство и художники" блога "Блоггер", автор Пол Уэбб - получил образование в Кембриджской школе искусств. Вскоре после окончания университета его работы были выставлены на выставке Джона Мурса в Ливерпуле, а в 1973 году - на Британской международной биеннале рисунка в Брэдфорде. В середине 1970-х годов он дважды выставлялся на крупных международных выставках оригинальных рисунков в Музее современного искусства в Риеке, и в это время его работы были приобретены Государственной художественной коллекцией его Величества. В 1987 году он был одним из десяти британских акварелистов, представленных в Музее изобразительных искусств в Бильбао. С 1990 года Уэбб в основном работает маслом на холсте. Его блог "Блоггер" существует с февраля 2010 года.
Альфонс Муха - часть 6
Продолжаю публикацию постов, которые создал Пол Уэбб, посвященных творчеству Альфонса Мухи:
Альфонс Муха (1860-1939) – чешский живописец и художник-декоратор, родился в 1860 году в городе Иванчице, Моравия. Он наиболее известен своими роскошными плакатами и дизайнами продуктов, которые воплощают стиль модерн. Современный интерес к его творчеству возродился в 1980 году после выставки в Гран-Пале в Париже.
Биографические заметки о Мухе см. в части 1. Более ранние работы также см. в частях 1-5.
Это 6-я часть серии из 12 частей, посвященных творчеству Альфонса Мухи:
1902 Documents Décoratifs
Документальный декор, опубликованный в 1902 году, состоит из 72 пластин, которые иллюстрируют все, чем запомнилось движение модерн, в декоративных формах женщин, цветов, природных форм, украшений и т. Д.
Хотя всего 72 пластинки, я показываю связанные работы или оригиналы рядом с печатной версией, где бы я их ни нашел.
Оформление документов продолжается в части 7. Источник
Альфонс Муха - часть 4
Альфонс (Альфонс) Муха (1860-1939) – чешский живописец и художник-декоратор, родился в 1860 году в городе Иванчице, Моравия. Он наиболее известен своими роскошными плакатами и дизайнами продуктов, которые воплощают стиль модерн. Современный интерес к его творчеству возродился в 1980 году после выставки в Гран-Пале в Париже.
Биографические заметки о Мухе см. в части 1. Более ранние работы см. в частях 1 и 2, 3.
Это 4-я часть серии из 12 частей, посвященных творчеству Альфонса Мухи:
1899 Le Pater:
Муха считал Le Pater своим печатным шедевром и упомянул его в выпуске газеты Sun от 5 января 1900 года (Нью-Йорк) как вещь, в которую он "вложил [свою] душу". Напечатанный 20 декабря 1899 года, "Отче наш" был оккультным исследованием темы Молитвы Господней Мухи, и было выпущено всего 510 экземпляров.
Источник серии постов о творчестве Альфонса Мухи, информация взята с раздела "Искусство и художники", автор Пол Уэбб - получил образование в Кембриджской школе искусств. Вскоре после окончания университета его работы были выставлены на выставке Джона Мурса в Ливерпуле, а в 1973 году - на Британской международной биеннале рисунка в Брэдфорде. В середине 1970-х годов он дважды выставлялся на крупных международных выставках оригинальных рисунков в Музее современного искусства в Риеке, и в это время его работы были приобретены Государственной художественной коллекцией его Величества. В 1987 году он был одним из десяти британских акварелистов, представленных в Музее изобразительных искусств в Бильбао. С 1990 года Уэбб в основном работает маслом на холсте. Его блог "Блоггер" существует с февраля 2010 года.
Альфонс Муха – часть 2
Альфонс Муха (1860-1939) – чешский живописец и художник-декоратор, родился в 1860 году в городе Иванчице, Моравия. Он наиболее известен своими роскошными плакатами и дизайнами продуктов, которые воплощают стиль модерн. Современный интерес к его творчеству возродился в 1980 году после выставки в Гран-Пале в Париже.
В этой части рассматриваются исключительно литографии Мухи для "Ильзе, принцессы Триполийской". У него было всего три месяца, чтобы подготовить 134 цветные литографии, прежде чем издание должно было пойти в печать. Она была восторженно встречена критиками, чешское и немецкое издания были позже опубликованы в 1901 году в Праге.
Биографические заметки о Мухе и более ранние работы также см. в части 1.
Это часть 2 серии из 12 частей, посвященных творчеству Альфонса Мухи.
1897 Ильзе, принцесса Триполи:
Автор данной статьи Пол Уэбб, источник откуда статья взята, это здесь . Блог, с которого данная статья назван Google "Заметным блогом".
Альфонс Муха - дизайнер украшений парижского ювелирного дома Жоржа Фуке
На данную статью наткнулся, когда совершенно случайно, правда случайного никогда и ни чего не бывает, попал на статью: "Альфонс Муха. Художник-сенсация: истории из жизни" - автор статьи: Рита Лозинская, её уже опубликовал на своём ресурсе. И вот там мне попала на глаза информация о статье - " Альфонс Муха - дизайнер украшений парижского ювелирного дома Жоржа Фуке", которую также решил опубликовать для посетителей своей площадки, автор статьи Ирина Олих...
В 1890-е годы в Париже имя Альфонса Мухи было у всех на устах: город был обклеен его театральными афишами с божественной Сарой Бернар и рекламными постерами с томными красавицами. Под их очарование попал молодой парижский ювелир Жорж Фуке и предложил Альфонсу стать дизайнером украшений. Это была воистину блестящая идея, — ах, вы только посмотрите.
Художник, как мы знаем, принял предложение ювелира. Альфонс Муха создал не только уникальные произведения ювелирного искусств, но и архитектурный проект для нового салона ювелирного дома Фуке, ставшего его визитной карточкой.
Жорж Фуке увидев работы Мухи, считал его прирожденным дизайнером, а Жорж знал толк в ювелирном деле. Он был уже третьим поколением из знаменитой династии парижских ювелиров Фуке. В 1895 году его отец Альфонс Фуке передал руководство фирмой 34-летнему сыну. Жорж с жаром принялся за работу и решил полностью обновить стиль своего ювелирно дома, который долгое время придерживался ренессансных вкусов.
Жорж Фуке в восторге от ар-нуво — нового стиля в искусстве. К 1898 году он уже создает украшения в стиле модерн и становится главным конкурентом знаменитого ювелира Рене Лалика.
В это время младший Фуке приглашает к сотрудничеству Альфонса Муху. Его роскошные, пленительные девушки, все в цветах и умопомрачительных ювелирных украшениях, вдохновили парижского ювелира на новые творческие искания.
Блестящее трио: актриса, художник и ювелир
Совместная деятельность художника и ювелира началась в 1898 году, когда Фуке увидел афишу с Сарой Бернар к спектаклю «Медея». Жоржа сразил образ главной героини в кульминационный момент драмы, где выражение, поза, костюм и даже украшения подчеркивают ужас свершившейся трагедии.
Сара Бернар играет Медею — принцессу из Колхиды, земли сказочных богатств и колдовства. Медея становится возлюбленной и женой Ясона, приплывшего на восточное побережье Черного моря в поисках золотого руна. Когда Ясон оставил Медею и намеревался жениться на коринфской принцессе, Медея отравила соперницу и убила своих двух сыновей, чтобы больнее ранить своего неверного супруга.
Внимание Жоржа Фуке в работе привлек браслет в форме змеи, обвивающий руку Медеи. Эта, казалось бы, незначительная деталь, всего лишь украшение, усилила впечатление жестокости матери-убийцы и одновременно подчеркнула нравы варварской страны. Сара Бернар захотела иметь такое украшение и заказала Жоржу Фуке сделать браслет по эскизу Альфонса Мухи.
Браслет «Медея» — одно из самых ярких, экстравагантных и изумительных украшений, созданных Альфонсом Мухой и Жоржем Фуке для Сары Бернар. Актриса надевала браслет на спектакли, когда играла Медею и Клеопатру. Он идеально подходил для ролей роковых женщин и производил впечатление зловещего «древневосточного» амулета.
Золотой браслет «Медея» Фуке выполнил в 1899 году. Змея обвивала запястье и поднималась выше по руке. Ее голова выполнена в технике перегородчатой эмали, создавая чешуйчатую поверхность. Кроме того, дорогое изысканное украшение было дополнено рубинами, опалами и бриллиантами. Браслет соединялся цепочкой с кольцом тоже украшенным головой змеи, — две змейки словно смотрели друг на друга. Браслет был очень гибким благодаря скрытой системе шарниров, которая позволяла свободно двигаться руке.
Сара Бернар блистала на сцене в экстраординарных сценических костюмах и заказывала себе такие же необычайные украшения. Альфонс Муха выполнил шесть афиш с актрисой, на которых она выглядела юной и прекрасной в свои 54 года. Сара была более, чем довольна его графическими работами и ожидала таких же поразительных результатов от ювелирных украшений.
А.П.Чехов писал о Бернар: «Играя, она гонится не за естественностью, а за необыкновенностью. Цель ее — поразить, удивить, ослепить…». Ослепить она пытается и своими украшениями — роскошными ожерельями, широкими браслетами, массивными серьгами и диадемами.
В 1895 году Сара Бернар играла Мелисинду в пьесе Эдмона Ростана «Принцесса Греза» (La Princesse Lointaine) в Театре Ренессанса в Париже. Для этого образа Альфонс Муха создал прекрасные произведения — тиару с лилиями и подвеску.
«Естественно, за годы их сотрудничества ходило немало слухов о том, что художника и актрису связывали не только деловые, но и романтические отношения. В этом сложно было усомниться, учитывая то, что Бернар славилась количеством романов. Однако позже в письмах своей жене Марии Муха будет утверждать, что с актрисой у него сложились исключительно приятельские отношения. Об этом же, к слову, свидетельствует переписка художника и с самой Бернар»…
Альфонс Муха на Всемирной выставке в Париже в 1900 году
Жорж Фуке доверил Альфонсу Мухе делать эскизы украшений для стенда дома Фуке на Всемирной выставке в Париже в 1900 году. Их работы вызвали всеобщее одобрение и даже наделали немало шума. За 202 дня, которые длилась выставка, ее посетили 50 миллионов человек — более, чем все население Франции! Сегодня известны два произведения, участвовавших в этой знаменательной выставке начала века — кольцо и цепочка.
Кстати, на этой выставке Муха представил не только ювелирные работы, но и свои блестящие достижения в области скульптуры. В павильоне Боснии и Герцеговины Альфонс Муха выставил свою скульптурную работу — «Природа». Из графики художника сразу вспоминается его работа «Зодиак». Пока таинственная и чувственная девушка притягивает и завораживает зрителей, исследователи продолжают разгадывать загадку — чье лицо вдохновило мастера и кого он изобразил?
Зная об увлечении Мухи фотографией, историки изучили архивные фото многих европейских музеев и пришли к выводу, что музой скульптора могла быть Сара Бернар или знаменитая парижская танцовщица Клео де Мерод.
Счастливый союз двух мастеров модерна
Муха работал только три года с Фуке — с 1899 по 1901, но за это время он серьезно повлиял на образы ювелирного искусства и на само восприятие своей работы ювелиром. В то время, как в этом искусстве еще со времен Людовика XVI главным считалось использование самых драгоценных камней, Фуке и Муха пересмотрели сами основы. Они верили в то, что красота ювелирного украшения зависит не от ценности драгоценного камня, а от художественного дизайна. Два новатора подбирали материалы не по своей стоимости, а из их способности включиться в общий дизайн.
Фуке воплотил ряд искусных украшений по рисункам Мухи. В своих произведениях ювелир обычно использовал золото, эмаль, слоновую кость, опалы, жемчуг и маленькие бриллианты.
Муха комбинировал фантастические и природные мотивы, и не боялся преодолеть сложившиеся взгляды на ювелирные изделия для одежды. Он разрабатывал дизайн подвесок, кулонов и брошей, сложные украшения для корсажей. Многие работы включают его любимые мотивы — изображения очаровательных молодых девушек, а особенностью форм изделий были мистические круги и полумесяцы.
А вот и история, стольже прелестная, сколь и тема нашего исследования: Альфонс Муха своей невесте сделал свадебный подарок — ожерелье. Он сам нарисовал эскиз будущего украшения, а выполнил его пражский ювелир Ян Рехнер в 1906 году. Золотое ожерелье украшено амулетами-подвесками из полудрагоценных камней, гроздьями подков и тремя голубками — знак любви и символ супружества.
Ювелирный бутик как произведение искусства
В 1899 году Фуке поручает Мухе разработать дизайн его нового салона на улице Руаяль 6, в 1901 году он открывается к полному восторгу публики. Художник блестяще справился с задачей и создал великолепный проект — чистейший ар-нуво с его характерной плавной, гибкой линией и изобилием природных мотивов.
Фасад магазина украшает бронзовая центральная панель с рельефом полуобнаженной девушки, окутанной развивающимися волосами и драпировкой и фриз из десяти витражей с изображениями модных красавиц. Девушки по-прежнему любимый объект художника!
Роскошный интерьер, как и подобает ювелирному бутику, заставляет покупателя потерять голову!
Муха дает волю своей фантазии и интерьер утопает в живой природе — потолок увитый струящимися линиями; колонны и фризы декорированы цветами, листьями и бутонами; панели украшает рисунки на морскую тематику — раковины, рыбы, нимфы. В зале салона дизайнер поместил чудный камин витиеватых форм, фонтан с обнаженной нимфой, изысканную мебель из красного дерева, витражи с цветочными мотивами в «японском стиле», «византийскую» мозаику, бронзовые скульптуры и оригинальные витрины для ювелирных изделий салона.
«Я постоянно изучаю природу. Нет ни одного растения, цветка, который бы не был полон предложений и воплощений». Альфонс Муха
В 1923 году стиль модерн вышел из моды и Фуке решил обновить облик своего магазина. Он бережно демонтировал все элементы интерьера, а в 1941 году преподнес в дар парижскому музею Карнавале. Роскошный интерьер ювелирного дома Фуке воссоздали в одном из залов музея в 1989 году вплоть до мозаичного пола, разработанного по эскизам Мухи.
Наибольшее очарование от стиля модерн получаешь, рассматривая репродукции и фотографии графических произведений, рисунки на тканях, но это опять таки графика, витражи Тиффани, металлические решётки, ювелирные изделия, по всем этим направлениям иллюстративного материала накопилось много и мог бы делать подборки, если у аудитории будет желание, но пока ни кто и ни как не реагирует. Общаться можно через мессенджеры в vk, WhatsApp, Viber
Альфонс Муха. Художник-сенсация: истории из жизни
Творчество чешского художника Альфонса Мухи — эталон стиля . Плавные, текучие линии, прекрасные женщины, смешение мотивов Востока и Запада, витражность контуров, выразительные обрамления в виде арок и цветочных гирлянд — все это знаменитый «стиль Мухи», такой узнаваемый, такой притягательный. Мы вспоминаем о самых ярких страницах его жизни.
Божественное провидение. В детстве будущий художник проявил замечательный талант к пению и в 12 лет стал певчим в хоре мальчиков капеллы собора Св. Петра и Павла в Брно, а пенсион дал ему возможность параллельно обучаться в гимназии. Через пять лет юношу исключили за неуспеваемость. Опечаленный этим событием, Альфонс поехал домой в Иванчице, а по дороге заехал навестить друга, который жил в городке Усти-над-Орлице. Что привело Муху по своды местной церкви святого Вацлава? Желание покаяться в грехах? Успокоить ум и чувства перед неприятной встречей с отцом? Этого мы уже не узнаем. Но именно здесь он увидел фреску, написанную местным художником Яном Умлауфом (1825−1916), выполненную в традиции чешского . Осознание того, что его современник, художник, способен зарабатывать на жизнь живописью, подтолкнуло Альфонса Муху к осуществлению давней мечты — он решает стать профессиональным художником.
Полную биографию Альфонса Мухи вы найдете здесь
Год спустя, после неудачного поступления в Пражскую академию искусств, Муха некоторое время служит писарем в родном городе, совмещая любовь к театру и рисованию с работой. В 1879 году 19-летний Муха становится учеником художника-декоратора в венской театральной компании Kautsky-Brioschi-Burghardt.
Истоки стиля
По вечерам, когда театр зажигал огни рампы, Альфонс Муха посещал вечерние художественные курсы или шел смотреть очередную выставку современного искусства. Особенно нравился Мухе художник Ганс Макарт (1840−1884), признанный лидер художественной жизни Вены. Помимо живописи, Макарт, которого называли «волшебником цвета», мастером аллегории и исторического жанра, занимался дизайном интерьеров, мебели, костюмов, его работы украшали многие общественные места. Он был настолько популярен, что его стиль, основанный на дизайне и эстетизме, так и называли — «стиль Макарта».
Судьбоносный портрет
В 1881 году венский Рингтеатр, основной заказчик театральной компании Kautsky-Brioschi-Burghardt, сгорел. Это трагическое событие потрясло Альфонса, и после роспуска мастерской он с легким сердцем и пустым кошельком покинул Вену. Муха сел на поезд и уехал на север — настолько далеко, насколько хватило денег на билет. Городок Микулов, расположенный между Веной и Брно, стал его следующим прибежищем. Скудные заказы на портреты местных буржуа, театральные декорации и даже оформление кладбищенских надгробий — Муха брался за любую работу. Кто знает, как бы повернулась дальнейшая судьба художника, если бы не конфуз?
На берегу - Альфонс Муха, 1900, 16 х 32 см.
В местной книжной лавке Муха поместил на продажу портрет с весьма занятной подписью: «За пять гульденов в отеле „У льва“», имея, конечно же, ввиду, что любой желающий может сделать у него заказ портрета за эту цену. Однако недвусмысленность подписи и изображения — а на портрете красовалась жена местного врача — привлекла внимание графа Эдуарда Куэна Беласи. В итоге он познакомился с Мухой, оценил его талант, и сделал заказ: поручил создать серию фресок для его резиденции в замке Эммахоф, а позже — росписи в родовом замке в Тироле. Благодаря покровительству графа (Беласи был художником-любителем) Муха вместе с ним посетил Венецию, Флоренцию и Милан, где часами пропадал в музеях и был представлен многим художникам. В сентябре 1885 года Альфонс Муха приехал в Мюнхен. Граф оплатил его обучение в Академии художеств, а позже — учебу в Академии Жюлиана и Академии Коларосси в Париже.
Париж: иллюстрации, фотографии и фисгармония
Альфонс Муха начал свою карьеру во французской столице, иллюстрируя популярные журналы. В 1890 и 1891 годах он работал на еженедельный журнал La Vie, печатавший романы с продолжением, и вскоре его работа попала на обложку издания. Для Le Petit Français Illustré он изображал драматические исторические сцены. Возросший доход позволил Мухе приобрести вожделенную фисгармонию и снова заняться музыкой.
Еще одним увлечением художника стала фотография. Муха купил свою первую фотокамеру, способную делать снимки 10×15 см, и стал использовать ее не только для съемки себя и друзей, но и фотографирования моделей в нужных ему позах. Не конкурента, но замечательного помощника видел в фотокамере Муха. Художник сам проявлял негативы и наносил на небольшие отпечатки карандашную сетку, чтобы впоследствии перевести изображение в более крупный формат по клеточкам. Фотоархив Мухи насчитывал более полутора тысяч отпечатков, экспонированных пластин и негативов.
Студия Альфонса Мухи на улице Валь-де-Грас. 1896
Великая Сара Бернар
Знаменитая актриса Сара Бернар после очередного мирового турне вернулась в Париж и решила вложить деньги в собственный театр. В 1893 году она заплатила 700 тысяч франков за Театр Возрождения (Théâtre de la Renaissance) и следующие шесть лет была его художественным руководителем и ведущей актрисой. Бернар вникала во все мелочи театральной жизни, и однажды столкнулась с проблемой: для возобновленного показа спектакля «Жизмонда» не были вовремя заказаны афиши. Обнаружилось это на второй день после Рождества, и вышло так, что в типографии Лемерсье от «горящего» заказа отказались все, кроме Альфонса Мухи.
Афиша к пьесе "Жисмонда" с Сарой Бернар - Альфонс Муха
Ради «божественной Сары» можно было поработать и в праздники. Художник взял в аренду цилиндр и смокинг, отправился в театр на спектакль, засел за работу и выполнил заказ за сутки. Результат привел в ужас де Брунхоффа, руководителя типографии Лемерсье, и в восторг — саму Сару Бернар. Пятидесятилетняя актриса предстала перед зрителями в полный рост — прекрасная женщина, полная сил и жизни, истинный объект восторга и почитания. Как писал журналист Жером Дусе, «это триумф шелка, золота и драгоценных камней, это богатство, брошенное на сомнительную белизну стен нашего города».
После знакомства Сара Бернар предложила Мухе контракт, по которому он становился декоратором и художником по костюмам в Театре Возрождения, а также создателем всей печатной продукции, включая афиши и буклеты. Ежемесячный гонорар Мухи был очень щедр — 3 тысячи франков, плюс полторы тысячи за каждую новую афишу.
Сара Бернар в спектакле "Жизмонда". Фото ателье Надара. @BnF
Альфонс Муха. «Сара Бернар в роли Медеи». 1898
Размеры афиш в исполнении Мухи были огромными, вытянутыми на японский манер — два метра в высоту, и печатались они на двух листах. Потрясающая красота афиш, изображавших знаменитую актрису, привела к тому, что после очередной расклейки поклонники аккуратно обрывали или срезали замечательные литографии с афишных тумб. Это натолкнуло Сару Бернар на удачный финансовый ход, и после очередного тиража часть афиш оставляли в театре для продажи коллекционерам — на них было выручено около 130 тысяч франков.
Автопортрет в ателье на улице Валь-де-Грас. Альфонс Муха. 1896−1897
Художник-сенсация
Сотрудничество с Сарой Бернар вознесло Альфонса Муху на самые вершины парижского мира иллюстрации и дизайна. Он стал практически воплощением стиля модерн, его квинтэссенцией. Параллельно с работой в театре художник разрабатывал этикетки и рекламные плакаты, календари и упаковки для самой разнообразной продукции. Духи и мыло, печенье и папиросная бумага, обивочные ткани, сигареты, шампанское… По эскизам Мухи был расписан кафель в ванных комнатах «Восточного экспресса». Роскошные «женщины Мухи» с легкостью продавали практически любую продукцию. Его личный стиль был настолько узнаваем, что его так и называли — «стиль Мухи».
Реклама мыла Bagnelet - Альфонс Муха, 1897, 51,5 х 37 см.
С 1896 года Муха в сотрудничестве с типографией Фердинанда Шампенуа разрабатывает серии декоративных панно в формате квадриптиха, из которых наибольшую популярность получили «Четыре времени суток», «Четыре цветка», «Четыре времени года». Коллекционеры мечтают заполучить очередные работы. Муха работает в поте лица до глубокой ночи — всего было создано около 50 художественных серий.
Альфонс Муха. «Четыре времени суток»
Шампенуа печатает дешевые и дорогие варианты популярных панно, выпускает около 150 почтовых открыток, на которых работы Мухи, воплощение всей роскоши Belle Époque, буквально разлетаются по миру. Несмотря на возросшие доходы (гонорар «от Шампенуа» — 4 тысячи франков в месяц!), художник не знал покоя. Многое он просто не успевал физически, а ведь надо было уделить время и гостям! В новую студию Мюша, как его называли на французский лад, приходили решительно все: друзья-художники и модели, издатели и торговцы, здесь же проводились спиритические сеансы.
Альфонс Муха. «Луна и звезды»
Актриса, художник и ювелирВ 1898 году молодой парижский ювелир Жорж Фуке увидел афишу с Сарой Бернар к спектаклю «Медея». Особое внимание Фуке привлек браслет в форме змеи, обвивающий руку Медеи. Сара Бернар захотела иметь такое украшение и заказала Жоржу Фуке сделать браслет по эскизу Альфонса Мухи. Актриса надевала браслет на спектакли, когда играла Медею и Клеопатру. Он идеально подходил для ролей роковых женщин и производил впечатление зловещего «древневосточного» амулета.
Жорж Фуке. Золотой браслет «Медея» с кольцом. 1899. Городской Музей в Сакаи, Япония
Фуке предложил Альфонсу Мухе сотрудничество — и художник согласился. По его эскизам создавались браслеты, подвесы, броши. В 1895 году Сара Бернар играла Мелисинду в пьесе Эдмона Ростана «Принцесса Греза», и для этого образа Альфонс Муха создал прекрасный дизайн — тиару с лилиями и подвеску. Украшения по его эскизам украсили стенд дома Фуке на Всемирной выставке в Париже в 1900 году.
Сара Бернар в роли Мелисинды в спектакле "Принцесса Греза"
Венцом сотрудничества Фуке и Мухи стал дизайн нового ювелирного салона в стиле ар-нуво, который открылся на улице Руаяль в 1901 году. Публика была в восторге: фасад украсили роскошные «женщины Мухи», интерьер был наполнен декором с цветочными и природными мотивами. Камин, фонтан, изысканная мебель, бронзовые скульптуры, оригинальные витрины, витражи, мозаичный пол…
Когда модерн вышел из моды, Жорж Фуке бережно демонтировал все элементы интерьера, а в 1941 году всю эту роскошь получил в подарок парижский музей Карнавале. В 1989 году в одном из залов музея интерьер ювелирного дома Фуке, разработанный Альфонсом Мухой, был воссоздан до мельчайших подробностей.
Любовь не только к родине
Любовь всей своей жизни Муха обрел на родине. Причем, как пишут, не по своей инициативе: молодая девушка, чешка по национальности, увидела художника, бывшего старше ее на 20 лет, в пражском Национальном театре. Импозантный мужчина привлек ее внимание: Мария добивается новой встречи и знакомится с мастером, который давно мечтал найти «чешское сердце, чешскую девушку». Она позирует, он называет ее на чешский манер «Марушкой» и считает всех женщин, бывших с ним до нее — «чужими». По духу, по склонности, по влечению. Муха пишет возлюбленной: «Как прекрасно и отрадно жить для кого-то, до тебя у меня была только одна святыня — наша родина, а сейчас я поставил алтарь и для тебя, дорогая, молюсь на вас обеих…».
Портрет Марушки - жены художника, Альфонс Муха, 1905, 50,7 х 32,1 см.
У четы рождаются дети: Ярослава и Иржи.На фото — Ярослава и Иржи с мамой, супругой Мухи Марушкой (фото — Mucha Foundation)
Чешская независимость и «муховки»
Альфонс Муха родился в самый разгар возрождения чешского национального самосознания и вырос ярым сторонником независимости и самоопределения своей родины. В 1918 году художник принял срочный заказ первого правительства независимой Чехословакии на разработку новых банкнот, а также герба, правительственных бланков и почтовой продукции.
15 апреля 1919 года была выпущена первая банкнота достоинством 100 чешских крон, позже были отпечатаны банкноты номиналом в 10, 20, 50, 100 и 500 крон. Огромное количество сложных узорных комбинаций говорит о том, что Муха стал одним из первых художников-бонистов, который уделял большое внимание защите купюр от возможной подделки. Чехам очень понравились новые деньги, которые в честь их создателя в народе называли «муховки».
«Славянская эпопея» — главный проект художника
Над грандиозным циклом картин «Славянская эпопея» Альфонс Муха трудился около 20 лет и впервые обнародовал его в полном объеме в 1928 году, во время празднования 10 годовщины независимости Чехословакии. В него вошли батальные сцены, исторические и религиозные эпизоды из общего прошлого чехов, русских и болгар. Средства для реализации проекта предоставил Мухе американец-славянофил Чарльз Крейн, и, по взаимному согласию, все работы были переданы в дар чешской столице — Праге.
Альфонс Муха работает над «Славянской эпопеей». 1920
…Для создания столь масштабной работы Мухе требуется поистине огромная студия. После усиленных поисков в 1911 году художник находит подходящее помещение. Это замок Збирог, расположенный между Прагой и Пльзенем. Перестроенный из старой крепости эксцентричным немецким магнатом, замок Збирог представлял собой строения в стиле нового ренессанса. А главное — там были подходящие залы: для «Славянской эпопеи» Муха приобрел холсты максимально возможного размера — 6×8 метров.
Славяне на своей земле - Альфонс Муха, 610-Х 810 см.
Семья художника — любимая жена и модель Мария Хитилова и дети, дочь Ярослава и сын Иржи — поселилась в задних покоях пустующего замка. После долгих консультаций с ведущими историками и поездок в Польшу, Галицию и Россию, на Балканы, в монастыри Греции, вооружившись фактами, фотографиями и зарисовками, Альфонс Муха приступает к работе над главным трудом своей жизни.
Ведение славянской литургии. Из цикла «Славянская эпопея» - Альфонс Муха, 1912
Десять полотен Муха посвятил истории Чехии, остальные десять — истории других славянских народов. Исторические сцены переплетаются с мифологическими видениями, патетика перемежается драматизмом. Ежедневно художник проводит по 9−10 часов на лесах, а жители деревни Збирог принимают в работе над полотнами самое непосредственное участие на протяжении 18 лет — позируют художнику в исторических доспехах и костюмах. Моделью для многих женских персонажей была любимая жена Мухи, Марушка, часто позировали дочь и сын.
Печатание Кралицкой Библии в Иванчицах. Из цикла "Славянская эпопея" - Альфонс Муха, 1914, 610 х 810 см.
«Целью моих произведений не было разрушать, а всегда только строить, возводить мосты, так как мы все должны питать надежду, что человечество сблизится. И это сближение будет происходить тем быстрее и проще, чем больше люди узнают друг о друге» — писал Альфонс Муха о своей главной художественной работе. Но следует ли винить современников в том что сближает их не только социальный посыл главного труда жизни мастера, «Славянская эпопея»? Для нас Альфонс Муха был и остается великим художником модерна, создателем замечательной галереи женских фантазийных портретов, которые делают повседневную жизнь более нарядной и эстетичной.
Статья про Альфонса Муху мне понравилась, поэтому публикую на своей площадке. Автор статьи: Рита Лозинская
Инициальный шрифт от художника Альфонса Мухи — эталона стиля модерн
Альфонс Муха (1860-1939) Alphonse Mucha – чешский живописец и художник-декоратор, родился в 1860 году в городе Иванчице, Моравия. Художник-сенсация он стал практически воплощением стиля , его квинтэссенцией. Плавные, текучие линии, прекрасные женщины, смешение мотивов Востока и Запада, витражность контуров, выразительные обрамления в виде арок и цветочных гирлянд — все это знаменитый «стиль Мухи», такой узнаваемый, такой притягательный. Современный интерес к его творчеству возродился в 1980 году после выставки в Гран-Пале в Париже.
Роясь в Яндекс картинках, обнаружил случайно инициальный шрифт Мухи и знакомство с его творчеством решил начать именно с него.
Дальнейшее знакомство с феноменом эпохи модерн продолжу чужими статьями, но они так классно созданы и с таким большим количеством иллюстративного материала, что не познакомить с ними просто грешно.
В.И.Машин "Новый русский шрифт", 1906
«Декоративные" (акцидентные) шрифты —основное их применение, для заголовков и для инициалов, если они вписываются в контекст повествования, главное чтобы не перейти грань, до которой их можно применять без излишеств, так, чтобы не превратить рекламную надпись или книжный заголовок в загадку. Акцидентные шрифты могут иметь искажённую форму или содержать большое количество мелких деталей, которые невозможно воспроизвести в малом кегле. Для набора сплошного текста они вообще непригодны — трудночитаемые, они требуют остановки, замедленного восприятия, любования. У художника, создавшего эту книгу, в некоторых таблицах получились настоящие ребусы, которые можно разгадывать часами.
О художнике Владимире Ильиче Машине известно очень немногое. Тульский мещанин, родился в 1880 году, в 1896—1904 учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Помимо книги „Новые русские шрифты“ (1906), удалось обнаружить только открытки, выпущенные Смоленско-Вяземским землячеством при Московском университете не позднее 1909 года и созданные предположительно по мотивам произведений Станислава Пшибышевского. Дальнейшая судьба В. И. Машина неизвестна, как и год его смерти.
Первый выпуск остался единственным, сведений о продолжении нет. Издание напечатано за счёт автора, тираж неизвестен, но очень небольшой. Надпись „Искусство вперёд“ библиографы в РГБ определили как серию, но если это и вправду серия, а не девиз, то следующих её книг не существует.
В комментариях по поводу данной книги, многие заявляют, что у автора болезненное воображение или же записывают его в наркоманы, думаю, что так пишут бездари, которые сами ни на что не способны.
Мне думается, что эти шрифтовые формы могут быть источником идей для создания на их основе декоративных рамок, то что попробовал сделать использовал для обложки данного поста.
Буква, которую для этих целей использовал.
И то, что в итоге из неё получилось. В пост включил только часть таблиц книги
Вот ещё один пример, но не из мотивов данной книги, это было взято с Яндекс картинок.
Рамка, которая в результате получилась, и то как её можно использовать.
Книжные обложки эпохи Art Nouveau (Модерн)
В одном из постов обещал сделать подборку иллюстраций с обложками эпохи Модерн, так этот стиль именовался в России, а также предупреждал, что все тематические подборки будут только по подписке, времени на их подготовку уходит много, изначально почти все используемые иллюстрации весят от 25 до 100 килобайт в лучшем случае и доводить приходиться от 300 кб. до 900 кб., этот процесс занимает не очень много времени, когда иллюстраций 5 - 10, а вот когда 80 и болееЮ очень ощутимо.
Модерн явился последним цельным стилем, который захватил искусство почти всех цивилизованных стран. Прихотливые формы модерна проникли во все виды искусства рубежа XIX – XX веков. Не исключением стало и искусство книжной графики. А вот в нём как нельзя лучше раскрывается идея синтеза искусств, характерная для модерна. К тому же модерн по сути своей – графичный стиль, для которого первостепенное значение имеет плоскость и линия, – основные выразительные средства книжной графики.
Лицо книги, это обложка и именно по ней делаем представление о содержании, именно с неё строится вся последующая архитектоника книги и соподчинение всех остальных элементов книжного оформления.
Продолжу делать подборки, если увижу интерес к таким публикациям, следующую подборку планировал сделать по металлическим решёткам также в стилистике модерна, уж очень они хороши.
Обзор книги "Декоративные мотивы и орнаменты всех времён и стилей"
«Карманный сборник стильных мотивов»,появившийся в свет в 1905 году, позволяет окунуться в
безбрежный и захватывающий мир повседневной красоты, создаваемой руками
человека. Богатое собрание злементов художественной отделки разных эпох со
времен Древнего Египта, а также в книге много текстового материала и она то есть
книга учит рисовать орнаменты и декоративные мотивы и воплощать их в
формах декоративно-прикладного искусства. Издание предназначено художникам, а в
первую очередь мастерам декоративно-прикладного искусства, реставраторам,
искусствоведам, историкам, собирателям антиквариата, а также всем любителям
искусства.
Ознакомиться со сканами книги можно здесь
Уже привык, что никто и ничего не пишет по поводу того, что выкладываю, у меня разнообразных материалов много и разной тематики, хотелось бы услышать пожелания.
Знакомство с книгой "Ornamente", Philipp Luidl, Helmut Huber, серия novum press
Информацию о данной серии книг почерпнул из журнала «Gebrauchsgraphik», а затем увидел в книжном магазине в Москве, в серии, книг было много, но привлекла только одна, и стоили они довольно недёшево по нашим советским временам, а при переводе в нынешние рубли, по котировке 2021 года, перевалило бы за десять тысяч каждая.
Когда мой знакомый из западной Германии в письме спросил, что меня интересует такое, чем он мог бы меня порадовать, естественно написал именно об этой книге, которую очень хотелось иметь, и вот буквально месяца через четыре получил на почте бандероль с этой книгой, это произошло в 1988 году. А теперь обложка и страницы из книги:
в завершение поста даю ссылку на саму книгу, но главное иметь ввиду, что ссылка даётся для ознакомления с книгой, но не для коммерческого использования.
Если вы скопируете данный файл,
Вы должны незамедлительно удалить его сразу после ознакомления с содержанием.
Копируя и сохраняя его Вы принимаете на себя всю ответственность, согласно действующему международному законодательству.
Все авторские права на данный файл сохраняются за правообладателем.
Любое коммерческое и иное использование кроме предварительного ознакомления запрещено.
Иллюстрации из книги "Орнаменты, Стили, Мотивы"
Как возникла идея создания книги «Орнаменты, Стили, Мотивы» Небольшая пред история её появления, то есть именно появления идеи.
Со студенческих лет меня привлекала красота орнаментальных композиций и всё самое интересное, красивое собирал в своих загашниках, раскладывал по папкам. Кроме орнаментальных форм собирал материал, а он также очень большой, просто огромный это всё, что касается искусства шрифта, его накопилось много и вроде бы нашёл тех кто готов был книгу издать, но когда приступил к ретуши таблиц, а при моём тогдашнем владении компьютером, это оказался такой геморрой, что пришлось отказаться от реализации этой идеи.
А вот по поводу книги по орнаменту, мысли периодически возникали и когда из одной библиотеки Союза получил посылку с микрофильмом книги «Sigestion in design», а она по своему композиционному построению таблиц привлекла внимание и захотелось сделать, что-то подобное. Тем более, что за долгие годы собирательства материала накопилось столько, что становилось трудно найти в нём нужные орнаментальные формы.
В результате родилась мысль весь материал разместить в книге — и сделать это в первую очередь для себя, чтобы в ней было все, что к этому моменту было собрано из разных источников и чтобы мне самому было удобно ей пользоваться. В книге появились разделы, которые в книгах по орнаментальному искусству отсутствовали, особенно последний раздел, посвящённый персоналиям, в нём представлены три художника - Джон Р.Седдон, Билибин И.Я. и Уильям Роул. Все три художника очень интересные, имеются ввиду их творческие работы.
Джона Р. Седдона и Уильяма Роул, пробовал поискать в интернете и нашёл только ссылки на свои таблицы. Большое желание довести количество таблиц в разделе "персоналии" до 15, а чтобы это всё смог осилить прошу продонатить, хотя бы на месяц стать моими подписчиками. В результате будет разовый донат и плюс доступ ко всем закрытым постам, а их более 25 и всего то за 200 р. А если оставите свои координаты, по ним вышлю после выхода книги "Гротеск в орнаментальном искусстве Ренессанса" её электронную копию в pdf. Так как я человек старой формации и делать рассылки, ни когда и ни кому не делаю, ваши координаты будут использованы только для отправки pdf.
20 лет назад. Выпуск 3, декабрь 2003 (СПб)
27 декабря 2003, Петербург
Предновогодний поход, совершённый в основном по Красногвардейскому району и окрестностям Большеохтинского моста.
1. Импровизированный ёлочный базар в районе метро Новочеркасская.
2. Новочеркасский проспект. Реклама: «В Москве мы уже всех посадили, 12 декабря мы возьмёмся за вас». Если кто не понял, это открытие Икеи – знаковое событие для Петербурга.
3. Афиша: что давали в Петербурге перед Новым годом. В Ледовом дворце на Хануке-5764 участвуют Кобзон, Вайкуле и Клара Новикова.
4. В этом походе меня сопровождала мерзкая погода с потеплением, снежной кашей и сильной оттепелью. Вот такая ковшовая загребушка убирает снег. Сейчас их почему-то нет, такие машины куда-то исчезли.
5. Бывшая площадь Брежнева, а сейчас – площадь перед Большеохтинским мостом. Трамвайные пути разбиты, и сохранился ещё заход на мост.
6. Вагоновожатая вручную переводит стрелки. Трамвай уходит на мост. Сейчас этой развилки нет.
7. Ну что ж, идём на мост.
8. Вид с Большеохтинского моста через Неву на корпуса прядильно-ниточного комбината им. Кирова. Здесь ещё торчат трубы и ещё нет никаких единых центров документов и налоговых инспекций, как это станет в недалёком будущем.
9. Иду по Большеохтинскому мосту. Очень колоритный мост с ажурными металлоконструкциями. Навстречу едет ЗИЛ-130, ныне – антикварный грузовик.
10. Ну и вообще поток по мосту, как видите, в большой степени состоит из Жигулей.
11. Взгляд назад, на правый берег. В потоке видна Волга-такси ГАЗ-24.
12. Прохожу мимо второй башенки. Обратил внимание на железную дверь со звонком, ведущую во внутренние помещения для разводки моста. Пройдёт почти 14 лет с момента этого снимка, и я тоже приобщусь к внутренностям моста и поучаствую в его разводке. Но это будет очень нескоро - 9 июля 2017 года. Кстати, интересно, что пролёты моста сделаны в Варшаве.
13. Вид с моста на Неву и прядильно-ниточный комбинат, который уже не работает по назначению, но ещё не стал лофтом. Нева частично оттаяла, и у левого берега чистая вода. Оттепель.
14. Перешёл на левый берег. Навстречу мне едет самый настоящий ностальгический Икарус! Как-то они незаметно исчезли в конце нулевых.
15. Реклама Земфиры, выступающей в манеже кадетского корпуса.
16. Иду мимо Смольного и его пропилей.
17. На левобережье вдоль Тверской улицы снесена красная линия домов и строится новая. Через десять лет это место изменится до неузнаваемости.
18. Дальше я дошёл до Чернышевской и уехал к себе на Старую Деревню (тогда ещё не было станции "Комендантский проспект" и фиолетовая линия кончалась тут). На выходе из вестибюля видно колоритное гнездо маршруток-"Газелей", которых тогда в Питере было полным-полно.
19. Новогодняя торговля у Старой Деревни. Идёт мерзкая морозь, поэтому торговцы прикрывают свой товарец полиэтиленовой плёнкой. Ещё привлекает внимание телефон-раскладушка на рекламном столбе метро.
Станция Билимбай. "Вольсовский" вокзал
«Плацкарт»
Станция Билимбай. "Вольсовский" вокзал
