Дорогие друзья, добро пожаловать в мой блог на Sponsr!

Я, Петля, автор, художник и арт-блогер, с радостью представляю вам своё творчество: раскраски, картины и иллюстрации. В своих работах я стремлюсь к красоте и вдохновению, находя и передавая их вам.

В блоге я регулярно делюсь своими работами: каждую неделю выходят одна длинная статья и короткая заметка. Для премиум-подписчиков доступны бонусные статьи, количество которых зависит от уровня подписки. Также я регулярно публикую ролики с процессом рисования — смотрите их на моем канале на Дзене dzen.ru/petlya_artist.

Мои раскраски, такие как «Цвет Японии», «Линии Индии» и «Абстрактно понятно», доступны для покупки на Ridero и Авито. Они станут отличным инструментом для тех, кто любит рисовать и хочет освоить новые техники.

Я искренне благодарна всем своим подписчикам за их внимание и поддержку! Вы мотивируете меня продолжать развивать этот канал на протяжении многих лет, начиная с 2021 года.

Для вашего удобства я подготовила дайджест публикаций. Выбирайте, что вас интересует, и переходите по ссылке.

Желаю вам приятного времяпрепровождения за просмотром моих роликов и чтением статей в моём блоге!

С уважением, Петля

*****

Дайджест публикаций

Лонгриды:

Пикассо о том, как достичь успеха и почему в творчестве нельзя идти на компромиссы

Трели птиц тёплым летним утром

Может ли принцип Парето пригодиться художнику?

Почему художники принимают неправильные решения?

Красота в глазах смотрящего — Впечатление о выставке ковров «Азербайджанский ковер — танец узоров» в Центре Гейдара Алиева

Заповедник искусства — Впечатления от посещения Смоленской художественной галереи

Для художника фриланс — это хорошо или плохо?

Почему художнику важно доводить дело до конца? И как это сделать?

Как художнику определиться, чем заниматься? И что такое классная творческая работа?

Как художнику быть оригинальным?

Какой совет художнику самый полезный?

Чем картина Энди Уорхола отличается от ксерокопии?

Почему сложные тексты вредят искусству?

Почему простота — друг художника? Лонгрид-впечатление о книге Джона Маэда «Законы простоты»

Поэты и художники о Новом годе: свет надежды и тёплые пожелания

Картины, вдохновляющие на уютный зимний сезон

Художники и их домашние животные

Песня цветов на картинах художников

Художественный манифест: художники о том, кто они, откуда пришли и куда идут

Искусство изображения рук: поэзия на кончиках пальцев

Красивые цитаты об искусстве, которые вдохновят художника внутри вас

Творческий план сорвался. Что делать?

Про силу визуального образа и техники запоминания

Художнику полезно ставить перед собой цели. Или нет?

Кошки в произведениях художников: грация, ирония, загадка

Светлая грусть глазами художников

Жемчужины мудрости для художника

Обнуление экономики искусства

Планировать озарение: впечатление о книге Зонке Аренса «Как делать полезные заметки»

Ментальные модели для художников

Про хитрую жизненную ловушку и способы художнику ее избежать

Волшебная сила закорючек (или почему полезно рисовать каракули)

Правила, которые художнику стоит нарушать

Посмотреть на искусство глазами другого человека

Впечатления от выставки «Во имя промысла» во Всероссийском музее декоративного искусства

Как художнику выжить в мире искусственного интеллекта?

Как креативить по правилам? Про ТРИЗ, JTBD и другие аббревиатуры (и не только)

Как картинной галерее не превратиться в «зловещую долину»?

Что мотивирует художника творить?

Зачем художник подписывает свои картины?

Как написать рецензию на картину?

Дыхание моря на холсте: морские волны и океанские глубины на картинах художников

Мир, натюрморт, май

Лес глазами художника: луч солнечного света сквозь лесную чащу

Аллегория: искусство другими словами

Хоакин Соролья: мастер солнечного света

Спокойствие, умиротворение и душевное тепло — глазами художников и словами поэтов

Дети глазами художников

Впечатление о выставке «Фальконье. Архитектура света» в Государственном музее архитектуры имени А. В. Щусева

Что общего у художников по всему миру? 🌏🤝

В чем польза посредственных художников?

Как художнику «съесть лягушку»?

Кто лучший портретист: художник, писатель или нейросеть?

Современное искусство понимают не все. Что с ним не так?

Надо нарисовать картину. С чего начать? И как продолжить?

Как искусство помогает художникам справляться с жизненными трудностями?

Чем писатель может помочь художнику?

Надо ли художнику оправдывать ожидания?

Как художнику найти свой уникальный стиль? 🧐

Впечатление о выставке «Поэт и Леди» в Культурном центре Андрея Вознесенского

Как Конек-горбунок и Золотая рыбка демотивируют художника 🎨🧙

Глазами художника 👀 — дома-панельки беспощадные, вездесущие, родные 🏙

Ничего не понятно — значит все понятно: Как понимать (и почему любить) абстрактное искусство 🔺◾️🟢

Как написать Artist Statement (заявление художника)? 🤔Полезный лонгрид с советами и примерами 🤗

Почему космонавты рисуют? 👩‍🚀🛰

Как художнику стать узнаваемым в мире, где рисуют все?

Как художнику справиться с критикой?

Океан бессмыслицы: как написать плохой текст об искусстве 🖌📚

Миссия выполнима: как написать хороший текст об искусстве 🖌👨‍🎨

Глазами художника — прогулка на морском побережье ясным летним днем

Художник говорит! 📣 Цитаты о природе

Белка🐿 в живописи — что хотел сказать художник? Двуликий Янус

Леопард 🐆 в живописи — что хотел сказать художник? Ангелы и демоны

Гранат как символ в живописи — что хотел сказать художник? Туман сомнений

Груша🍐как символ в живописи — что хотел сказать художник? Счастье, долголетие и многомилионная подделка

Художник говорит! 📣 Цитаты о поиске вдохновения

Глазами художника — празднование Нового года и Рождества с приятными хлопотами, кутерьмой и подарками 🎄🎁🎉

Мыши🐭как символы в живописи — что хотел сказать художник? Пороки и их поклонники

«Потому что красиво»: как мы оцениваем произведение искусства 🤔🖼

Художника делает окружение: Микеланджело + Вазари = успех

Зачем платить меньше, когда можно заплатить больше? Нерушимый союз искусства и денег 🤝

Художник говорит! 📣 Цитаты о самих себе + пара слов про дневники художников

Выйти за границы холста: художники, создававшие текстильные узоры 🎨⚜️

Самая важная инвестиция: бренд художника 👏

Главное — сделать первый шаг: Как выглядят первые картины художников 🖼

Праздник, который всегда с тобой: Музей елочной игрушки в Клину 🎄🎉

Глазами художника — уборка урожая и залитые солнцем поля во ржи

Как художнику преодолеть страх и неуверенность в себе?

Включите свет, добавьте резкость: Впечатления о выставках Александра Савинова и художников Саратовской школы

Впечатления о выставке «На грани. Искусство гранения и гравировки стекла» в музее-заповеднике «Царицыно»

Когда изобразительное искусство может утратить смысл?

Художник говорит! 📣 Цитаты о любви и искусстве ❤️

Работа мешает стать великим художником. Или нет? 🤔🙋‍♀️

В чем разница между художниками-профессионалами и любителями?

Художник говорит! 📣 Цитаты о цвете и колористике

Непорядку тут не место: Развенчание мифа про художника, который вечно ждет музу 👩‍🎨⏳

Где прочитать биографию неудачливого художника?

Как прошлый успех художника определяет его будущее? Эффект Матфея в арт-мире

4 фильма, где цвет имеет значение 📹🎬 Талантливые цветовые решения из подборки моих любимых фильмов 🎨

Какие новые технологии может использовать художник? От блокчейна и ИИ до геотаргетирования и интернета вещей

Как художнику распознать и преодолеть синдром самозванца?

Откуда берутся оригинальные идеи? 💡🤔

Хороший вкус в изобразительном искусстве существует?

Художник — это ваше призвание?

Как художник попадает в ловушку промедления

Кто художник сегодня: безумец, архитектор, плотник или судья?

Как работает эффект знакомства с объектом — на примере музейного магазина. Искусство в массы

Художник говорит 📣 Про обязанности художников👨‍🎨

Как сделать свою картину знаменитой? На примере Мона Лизы

Глазами художника — хлеб, который всему голова

Кто решает, что значит произведение искусства? 🤔📝🖼

Гвоздика как символ в живописи — что хотел сказать художник? Обещать — значит жениться 😍

Художник, на чьих картинах никогда не заходит солнце: Борис Кустодиев 🎨🌞

Подставка для двери за 1 миллион фунтов: история про разбитое корыто и ценность искусства 🖼💸

Музейный смотритель: человек — арт-объект

Правильные вопросы про изобразительное искусство

Пальма🌴как символ в живописи — что хотел сказать художник? Слава, традиции и дары ангелов

Виноградная лоза 🍇 как символ в живописи — что хотел сказать художник? Изобилие, наслаждение и опьянение

Художник говорит! 📣 Цитаты о воображении

Счастливая находка 🕵️‍♀️ Графика Владимира Дмитриева

Драконы🐲как символы в живописи — что хотел сказать художник? Яд, хитрость и морская нечесть

Находка в Ярославле 🤗🖼 Музей имени В. Ю. Орлова

Небанальные онлайн-источники идей для художников

Автопортрет — вместо тысячи слов

Устами инвестора глаголет истина: Пол Грэм об искусстве, вкусе и Леонардо из Милана

Короткие заметки:

Короткая заметка 💡 Как давать советы

Короткая заметка 💡 Про ритуалы художников

Короткая заметка 💡 Про смысл заниматься творчеством

Короткая заметка 💡 Про режимы работы художника

Короткая заметка 💡 Мудрые слова альпиниста каждому художнику

Короткая заметка 💡Как художнику совершать поменьше ошибок?

Короткая заметка 💡Про границы возможностей искусственного интеллекта

Короткая заметка 💡 Про ловушки мышления

Короткая заметка 💡 Как художнику решать проблемы?

Короткая заметка 💡 Про чудо любознательности

Короткая заметка 💡 Про время наедине с собой

Короткая заметка 💡 Про теплые слова

Короткая заметка 💡 Об искусстве чужими словами

Короткая заметка 💡 О красоте краткости

Короткая заметка 💡 О художниках и их домашних животных

Короткая заметка 💡 Про неочевидную пользу бессоницы

Короткая заметка 💡 Про обучение художника на ошибках

Короткая заметка 💡Про отговорки, чтобы не заниматься творчеством

Короткая заметка 💡Про бонусы искусства

Короткая заметка 💡 Про успешный успех в креативной индустрии

Короткая заметка 💡 Про методику постановки целей BSQ

Короткая заметка 💡 Про стратегию «win-win» в искусстве

Короткая заметка 💡 Про бритву Оккама

Короткая заметка 💡 Польза ошибок для творчества

Короткая заметка 💡 Про отношения художников с деньгами

Короткая заметка 💡 Про пути карьеры художника

Короткая заметка 💡 О чем поговорить с незнакомым художником?

Короткая заметка 💡 Про цену времени художника

Короткая заметка 💡 Про сон как помощник художника

Короткая заметка 💡 Метафора как инструмент для решения творческих задач

Короткая заметка 💡 Художник + одиночество =?

Короткая заметка 💡 Хорошие слова из книги «Однажды — значит никогда»

Короткая заметка 💡 Про непреодолимые препятствия в творчестве

Короткая заметка 💡 Про ловушки на пути к творческому успеху

Короткая заметка 💡 Про красоту словами Шекспира

Короткая заметка 💡 Эдгар Дега о себе и об искусстве

Короткая заметка 💡 Самуил Маршак про последний день декабря

Короткая заметка 💡 Игорь Северянин художнику

Короткая заметка 💡 Про Пикассо, его первое слово, первую работу и успехи в учебе

Короткая заметка 💡 Про правило трех в искусстве

Короткая заметка 💡 Маргарита Алигер о красоте

Короткая заметка 💡 Что писатели говорят об искусстве?

Короткая заметка 💡 Валерий Брюсов про творчество

Короткая заметка 💡 Пикассо, Ренуар и Делакруа про искусство

Короткая заметка 💡 Про принципы дизайна

Короткая заметка 💡 Про магию нечетных чисел в искусстве

Короткая заметка 💡 Четыре интересных факта из истории искусства

Короткая заметка 💡 Про звук тишины

Начинающие художники часто сталкиваются с трудностями, которые могут замедлить их прогресс или даже привести к разочарованию. Однако ошибки — это естественная часть обучения. Главное — вовремя их заметить и исправить. В этой статье я разберу 25 самых распространённых ошибок начинающих художников и дам практические рекомендации, как их избежать. Эти советы помогут вам быстрее развить свои навыки и наслаждаться процессом творчества.

1. Отсутствие базовых знаний

Ошибка: Многие начинающие художники сразу берутся за сложные работы, игнорируя основы, такие как композиция, перспектива, анатомия и теория цвета.

Как исправить: Начните с изучения основ. Рисуйте простые формы, изучайте перспективу, практикуйтесь в построении композиции. Используйте учебники и онлайн-курсы для начинающих.

2. Неправильная постановка руки

Ошибка: Начинающие часто держат карандаш или кисть слишком напряжённо, что приводит к быстрой усталости и неровным линиям.

Как исправить: Расслабьте руку и держите инструмент свободно. Практикуйте плавные движения, рисуя круги и линии.

3. Игнорирование эскизов

Ошибка: Многие сразу начинают работу над финальным вариантом, пропуская этап создания эскиза.

Как исправить: Всегда начинайте с набросков. Это поможет вам продумать композицию и избежать ошибок в финальной работе.

4. Неправильное использование материалов

Ошибка: Использование некачественных или неподходящих материалов может испортить результат.

Как исправить: Изучите, какие материалы подходят для вашего стиля. Не экономьте на качестве, особенно на красках, бумаге и кистях.

5. Пренебрежение теорией цвета

Ошибка: Начинающие часто смешивают цвета наугад, что приводит к грязным или неестественным оттенкам.

Как исправить: Изучите цветовой круг и основы цветовой гармонии. Практикуйтесь в смешивании цветов.

6. Неправильная работа со светом и тенью

Ошибка: Игнорирование светотени делает работы плоскими и невыразительными.

Как исправить: Изучите, как свет падает на объекты, и практикуйтесь в создании объёма с помощью теней.

7. Страх перед ошибками

Ошибка: Многие начинающие боятся ошибиться и поэтому избегают экспериментов.

Как исправить: Примите ошибки как часть процесса. Рисуйте свободно и не бойтесь пробовать новое. Держите в уме, что то, что кажется поначалу ошибкой, может стать отражением вашего индивидуального стиля, вашей визитной карточкой или «фишкой».

8. Недостаток практики

Ошибка: Нерегулярные занятия замедляют прогресс.

Как исправить: Рисуйте каждый день, даже если это всего 15–20 минут. Постоянная практика — ключ к успеху.

9. Копирование без понимания

Ошибка: Копирование чужих работ без анализа техники и принципов делает эта работу, по большому счету, бесполезной: вы тратите время, но не приобретаете никаких полезных навыков.

Как исправить: Копируя, старайтесь понять, как художник создавал работу. Анализируйте композицию, свет и цвет.

10. Игнорирование пропорций

Ошибка: Неправильные пропорции делают работы неестественными.

Как исправить: Изучите основы анатомии и пропорций. Используйте сетку или метод визирования для точности.

11. Перегруженность деталями

Ошибка: Начинающие часто добавляют слишком много деталей, что перегружает композицию.

Как исправить: Учитесь выделять главное. Используйте минимализм и акцентируйте внимание на ключевых элементах.

12. Неправильное использование референсов

Ошибка: Полное копирование референсов без добавления собственного стиля обесценивает ваш творческий вклад.

Как исправить: Используйте референсы как источник вдохновения, но добавляйте свои идеи и интерпретации.

13. Игнорирование фона

Ошибка: Фон часто остаётся незавершённым или не продуманным.

Как исправить: Уделяйте внимание фону. Он должен дополнять работу, а не отвлекать от неё.

14. Неправильное использование текстуры

Ошибка: Начинающие часто переусердствуют с текстурой, что делает работу перегруженной.

Как исправить: Используйте текстуру умеренно и только там, где это необходимо.

15. Недостаток терпения

Ошибка: Желание быстро закончить работу приводит к небрежности.

Как исправить: Уделяйте время каждому этапу работы. Терпение — ключ к качественному результату.

16. Игнорирование критики

Ошибка: Начинающие часто воспринимают критику как личное оскорбление.

Как исправить: Учитесь воспринимать критику конструктивно. Она помогает увидеть слабые места и улучшить навыки.

17. Сравнение с другими

Ошибка: Постоянное сравнение себя с более опытными художниками может привести к разочарованию.

Как исправить: Сравнивайте себя только с собой в прошлом. Отмечайте свой прогресс.

18. Неправильное использование цвета

Ошибка: Использование слишком ярких или неестественных цветов — не самая лучшая стратегия, если только это не часть творческого замысла.

Как исправить: Изучите цветовые гармонии и практикуйтесь в создании реалистичных оттенков.

19. Игнорирование композиции

Ошибка: Непродуманная композиция делает работу хаотичной.

Изучите правила композиции, такие как правило третей, золотое сечение и баланс.

20. Недостаток экспериментов

Ошибка: Страх перед новыми техниками и материалами ограничивает творческий рост.

Как исправить: Экспериментируйте с разными стилями, материалами и техниками.

21. Неправильное использование света

Ошибка: Неправильное расположение источников света делает работу неестественной.

Как исправить: Изучите, как свет взаимодействует с объектами. Практикуйтесь в создании реалистичных светотеней.

22. Игнорирование анатомии

Ошибка: Неправильное изображение человеческого тела или животных.

Как исправить: Как исправить: Изучите анатомию. Рисуйте с натуры или используйте анатомические справочники.

23. Неправильное использование перспективы

Ошибка: Ошибки в перспективе делают работу плоской или искажённой.

Как исправить: Изучите основы линейной и воздушной перспективы. Практикуйтесь в построении простых форм.

24. Недостаток уверенности

Ошибка: Неуверенность в своих силах мешает развиваться.

Как исправить: Верьте в себя. Помните, что каждый художник когда-то был начинающим.

25. Игнорирование отдыха

Ошибка: Переутомление снижает продуктивность и качество работы.

Как исправить: Делайте перерывы. Отдых помогает сохранить свежий взгляд и вдохновение.

Ошибки — это неизбежная часть пути любого художника. Однако, зная о них и понимая, как их исправить, вы сможете быстрее развивать свои навыки и избежать разочарований. Главное — не бояться экспериментировать, учиться на своих ошибках и продолжать рисовать. Помните, что каждый великий художник когда-то был начинающим.

****

Читайте также:

Праздник, который всегда с тобой: Музей елочной игрушки в Клину 🎄🎉

Глазами художника — уборка урожая и залитые солнцем поля во ржи

Как художнику преодолеть страх и неуверенность в себе?

Включите свет, добавьте резкость: Впечатления о выставках Александра Савинова и художников Саратовской школы

Впечатления о выставке «На грани. Искусство гранения и гравировки стекла» в музее-заповеднике «Царицыно»

Когда изобразительное искусство может утратить смысл?

****

Смотрите также:

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Создание серии картин — это не только возможность глубже раскрыть художественную тему, но и способ выразить свои идеи через последовательность работ, объединённых общей концепцией. Такой подход позволяет художнику экспериментировать, развивать свои навыки и создавать целостные проекты, которые могут стать основой для выставок, портфолио или даже коммерческих коллекций. В этой статье рассказываю, как шаг за шагом создать серию картин, начиная с зарождения идеи и заканчивая её воплощением.

Первый шаг в создании серии — это выбор темы. Тема должна быть достаточно широкой, чтобы её можно было раскрыть в нескольких работах, но при этом достаточно конкретной, чтобы сохранить целостность серии. Она может быть вдохновлена личным опытом, природой, социальными вопросами, культурными традициями или абстрактными концепциями.

Примеры тем:

• Эмоции и состояния человека (радость, грусть, одиночество).
• Городские пейзажи или архитектура.
• Природа и её изменения (времена года, экологические проблемы).
• Культурные или исторические мотивы (мифы, традиции, исторические события).
• Абстрактные концепции (время, движение, гармония).

Выбирайте тему, которая вам близка и вдохновляет. Это поможет сохранить интерес на протяжении всего процесса.

После выбора темы важно разработать концепцию, которая будет объединять все работы в серии.

Концепция — это основная идея, которая определяет стиль, цветовую палитру, композицию и технику исполнения.

Подумайте, что объединяет все работы в серии? Как каждая картина будет раскрывать общую идею? Какие эмоции или мысли вы стремитесь передать? Какие ключевые идеи должны остаться в голове у зрителя после того, как он увидит все картины в совокупности?

Например, если ваша тема — «Времена года», концепцией может быть передача изменений в природе через цветовую палитру и настроение. Каждая картина будет представлять одно время года, но все работы будут объединены общим стилем, например, импрессионизмом или абстракцией.

Чтобы визуализировать вашу концепцию, можно создать мудборд (доску вдохновения), где будут собраны референсы, эскизы, фотографии и цветовые палитры.

Прежде чем приступать к финальным работам, сделайте несколько эскизов. Эскизы помогут вам продумать композицию, цветовую гамму и детали каждой картины. Это также отличная возможность поэкспериментировать с разными подходами и выбрать наиболее удачный.

• Создайте несколько вариантов для каждой работы.
• Обратите внимание на то, как эскизы взаимодействуют друг с другом. Они должны выглядеть как часть единого целого.
• Не бойтесь вносить изменения в процессе работы над эскизами.

Когда эскизы готовы, можно приступать к созданию финальных работ. Важно сохранять единство стиля и концепции, но при этом дать каждой картине индивидуальность.

• Работайте последовательно. Начните с одной картины, но держите в уме общую концепцию.
• Сохраняйте единство. Используйте общую цветовую палитру, технику или композиционные приёмы.
• Экспериментируйте. Даже в рамках одной серии можно пробовать разные подходы, чтобы сохранить интерес к процессу.
• Регулярно оценивайте прогресс. Периодически отходите от работы и смотрите на серию в целом. Это поможет заметить, если что-то выбивается из общего стиля.

Например, если вы создаёте серию о городских пейзажах, каждая картина может изображать разные районы города, но все работы будут объединены общей цветовой палитрой (например, приглушённые тона) и стилем (реализм или абстракция).

Когда серия готова, важно подумать о том, как её представить. Это может быть выставка, онлайн-галерея, фотоальбом или даже печатные репродукции.

Организуйте работы в логическом порядке. Например, если серия посвящена временам года, расположите картины в порядке зима-весна-лето-осень.

Создайте описание. Напишите короткий текст, который объясняет концепцию серии и вдохновение.

Подумайте о формате. Если это выставка, подберите подходящие рамы и освещение. Если это онлайн-галерея, сделайте качественные фотографии работ.

Например, если вы создали серию о природе, можно организовать выставку, где каждая картина сопровождается коротким описанием, например, цитатой или личными размышлениями.

В завершение, несколько советов для успешной серии картин:

• Будьте последовательны. Придерживайтесь выбранной концепции, но не бойтесь вносить изменения, если это улучшит результат.
• Не торопитесь. Создание серии — это процесс, который требует времени и терпения.
• Ищите вдохновение. Изучайте работы других художников, посещайте выставки и читайте книги по искусству.
• Получайте обратную связь. Покажите свои работы друзьям, коллегам или наставникам. Их мнение может помочь вам увидеть слабые места и улучшить серию.

Создание серии картин — это увлекательный и вдохновляющий процесс, который позволяет художнику глубже погрузиться в тему, развить свои навыки и создать целостный проект. Главное — оставаться верным своей идее, экспериментировать и наслаждаться процессом. Помните, что каждая серия — это не только отражение вашего творчества, но и шаг к новым художественным достижениям.

****

Читайте также:

Короткая заметка 💡Про бонусы искусства

Короткая заметка 💡 Про успешный успех в креативной индустрии

Короткая заметка 💡 Про методику постановки целей BSQ

Короткая заметка 💡 Про стратегию «win-win» в искусстве

Находка в Ярославле 🤗🖼 Музей имени В. Ю. Орлова

Небанальные онлайн-источники идей для художников

Автопортрет — вместо тысячи слов

Устами инвестора глаголет истина: Пол Грэм об искусстве, вкусе и Леонардо из Милана

****

Смотрите также:

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Чтобы творческий процесс был максимально продуктивным, необходимо организовать удобное и функциональное рабочее пространство. Обратите внимание на то, где вы занимаетесь творчеством, что находится на вашем столе и как вы храните инструменты и художественные материалы.

В этой статье я поделюсь с вами несколькими идеями, основанными на моём личном опыте и опыте моих знакомых. Надеюсь, что вы найдёте что-то полезное для себя.

Начнем с планировки. У каждого свой уникальный подход к организации пространства, который зависит от размеров помещения, количества материалов и инструментов, а также от ваших личных предпочтений.

Разделите своё творческое пространство на функциональные зоны. Основная зона, где вы будете создавать свои работы, — это рабочая зона. Убедитесь, что вам достаточно места для мольберта, стола или верстака. Если вы работаете в цифровом формате, то в рабочей зоне должно быть достаточно места для компьютера, планшета, стилуса и клавиатуры.

Для материалов, инструментов и готовых работ отведите отдельную зону хранения. Важно создать условия, чтобы ни работы, ни материалы не портились со временем.

Помните, что время, проведённое за работой, не должно быть потрачено впустую. Поэтому, если у вас есть возможность, обязательно обустройте в своей мастерской место для отдыха. Это может быть уютный уголок с креслом или диваном, где вы сможете расслабиться и подумать о новых идеях.

Если позволяет пространство, выделите место для выставки готовых работ или работ в процессе. Это будет отличным решением, если вы захотите пригласить своих клиентов или друзей, чтобы поделиться с ними результатами вашего творчества.

При обустройстве творческого пространства очень важно учитывать эргономику. В частности, убедитесь, что у вас достаточно свободного пространства для передвижения. Расположите часто используемые инструменты и материалы в пределах досягаемости, чтобы они всегда были под рукой. Настройте рабочий стол или мольберт на удобной высоте и организуйте пространство так, чтобы вы могли работать как стоя, так и сидя.

Организация хранения — это основа порядка в мастерской. Огромную помощь в этом могут оказать продуманные системы хранения.

Для хранения коробок, банок с красками и других материалов отлично подойдут открытые стеллажи. Подпишите контейнеры, чтобы быстро находить то, что нужно.

Для мелких предметов, таких как кисти, карандаши или гвозди, отлично подойдут пластиковые или деревянные ящики. А для хранения инструментов можно использовать крючки, рейлинги или перфорированные панели — это особенно удобно для верстаков.

Если вы работаете в разных зонах мастерской, то мобильная тележка с инструментами и материалами станет вашим верным помощником.

Важно соблюдать правила безопасности при хранении красок и химикатов. Держите краски, растворители и другие опасные вещества в плотно закрытых контейнерах. Для их хранения используйте специальные шкафы.

Не забывайте о месте для готовых работ. Для картин подойдут стеллажи с отделениями или специальные стойки. Для скульптур и объёмных работ можно выделить полки или ниши.

Одним из ключевых аспектов организации мастерской является правильное освещение. Оно не только создает комфорт, но и влияет на точность вашей работы.

Если есть возможность, расположите рабочую зону рядом с окном. Естественный свет идеально подходит для работы с цветами и деталями. Для регулирования интенсивности света используйте лёгкие шторы или жалюзи.

Создайте в своей мастерской грамотную систему освещения, которая обеспечит вам комфортные условия для творчества.

Начните с установки основного источника света — потолочного светильника. Он станет основой для общего освещения всего пространства.

Для создания локального освещения используйте настольные лампы, подвесные светильники или LED-ленты. Они помогут вам выделить конкретные зоны, такие как мольберт или верстак, создав комфортную атмосферу для работы.

Чтобы избежать искажения цветов, выбирайте лампы дневного света или LED-лампы с цветовой температурой в диапазоне от 5000 до 6500K.

Теперь давайте подробнее рассмотрим организацию рабочей зоны — сердца вашей мастерской.

Выберите стол или верстак, который будет соответствовать вашему стилю творчества. Художникам подойдет большой стол с ровной поверхностью, а скульпторам — прочный верстак. Убедитесь, что высота стола подходит вашему росту. Если стол слишком низкий или высокий, используйте регулируемые ножки или подставку, чтобы настроить его под себя.

Выберите мольберт, который идеально подходит для вашего творческого процесса. Для небольших работ подойдут настольные мольберты, а для масштабных — напольные. Важно, чтобы мольберт был устойчивым и регулировался по высоте.

Чтобы организовать пространство, используйте органайзеры для кистей, карандашей и других мелких инструментов. Для более крупных предметов, таких как молотки и шпатели, подойдут подвесные системы или крючки.

Для удобства работы используйте стул или табурет с регулируемой высотой. Чтобы снизить нагрузку на спину, добавьте коврик или подставку для ног.

Но мастерская должна быть не только функциональной, но и вдохновляющей. Как создать творческую атмосферу?

Выбирайте цвета, которые вдохновляют вас. Например, нейтральные оттенки, такие как белый, серый и бежевый, создают спокойную атмосферу, а яркие цвета, такие как жёлтый и оранжевый, добавляют энергии.

Украсьте мастерскую своими работами, а также постерами или фотографиями, которые вдохновляют вас. Это придаст вашей мастерской индивидуальный стиль.

Добавьте в интерьер растения, чтобы создать уютную атмосферу. Они создадут гармонию и добавят жизни в ваше пространство.

Установите колонки или наушники, чтобы наслаждаться музыкой или подкастами во время работы. Если вы предпочитаете тишину, убедитесь, что ваша мастерская хорошо защищена от внешнего шума.

Мастерская должна быть не только удобной, но и безопасной. Для этого важно обеспечить хорошую вентиляцию, особенно если вы работаете с красками, растворителями или другими химическими веществами. При необходимости установите вытяжку или вентилятор. Не забывайте о средствах защиты: перчатках, масках и очках.

Вот пример того, как можно организовать мастерскую: у стены расположен большой стол с органайзерами для инструментов. Рядом с ним — мольберт и настольная лампа. Вдоль противоположной стены установлены стеллажи с контейнерами для материалов. Над стеллажами находится перфорированная панель с инструментами. В углу стоит кресло с небольшим столиком и лампой. На стене — вдохновляющие постеры. Основным источником света служит потолочный светильник. Дополнительно можно использовать настольную лампу и LED-ленту над столом. На стеллажах можно разместить растения, а на стенах — готовые работы.

Многие люди считают, что рабочее пространство художника должно быть в беспорядке, как будто это способствует творческому процессу. Однако мое убеждение состоит в том, что это не так.

На мой взгляд, рабочее пространство должно быть не только функциональным, но и помогать художнику. Поэтому очень важно поддерживать в нём порядок.

После каждого рабочего сеанса обязательно убирайте мастерскую. Регулярно проверяйте материалы и инструменты, чтобы избавиться от того, что больше не нужно. Для удобства можно использовать системы маркировки для контейнеров и ящиков.

Организация мастерской — это увлекательный творческий процесс, который требует времени и внимания. Однако результат стоит того: удобное и функциональное рабочее пространство не только повысит вашу продуктивность, но и вдохновит на новые идеи.

Используйте советы из этой статьи, чтобы создать мастерскую, которая будет идеально подходить для вашего творчества. Помните, что мастерская — это отражение вашей личности, поэтому не бойтесь экспериментировать и добавлять индивидуальные детали. Удачи в организации вашего творческого пространства!

****

Читайте также:

Пикассо о том, как достичь успеха и почему в творчестве нельзя идти на компромиссы

Почему художники принимают неправильные решения?

Может ли принцип Парето пригодиться художнику?

Как искусство помогает художникам справляться с жизненными трудностями?

Чем писатель может помочь художнику?

****

Смотрите также:

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Фотографирование своих художественных работ — это не просто технический процесс, а важный этап презентации вашего творчества. Качественные изображения позволяют передать все детали, текстуры и цвета ваших картин, что особенно важно для онлайн-портфолио, участия в выставках или продажи работ. Эта статья о том, как правильно фотографировать свои работы, настраивать оборудование, выбирать освещение и обрабатывать изображения, чтобы они выглядели профессионально.

Перед тем как начать фотографировать, убедитесь, что ваша работа готова к съёмке.

• Очистите работу. Убедитесь, что на картине нет пыли, пятен или отпечатков пальцев. Если это холст, проверьте, чтобы он был ровно натянут.
• Уберите блики. Если работа покрыта лаком или стеклом, убедитесь, что на поверхности нет бликов. Используйте матовое стекло или снимите его, если это возможно.
• Выберите фон. Если вы фотографируете работу без рамки, используйте нейтральный фон (белый, серый или чёрный), чтобы ничего не отвлекало от самой картины.

Для съёмки работ не обязательно иметь профессиональную фотостудию, но важно использовать подходящее оборудование:

• Камера. Зеркальная или беззеркальная камера с ручными настройками идеально подходит для съёмки. Однако современные смартфоны с хорошими камерами тоже справляются с задачей, особенно если использовать дополнительные приложения для ручных настроек.
• Штатив. Это обязательный аксессуар, который поможет избежать размытия и сохранить чёткость изображения.
• Освещение. Если у вас нет профессионального освещения, используйте естественный свет или лампы дневного света.
• Фон. Используйте однотонный фон, чтобы выделить работу. Это может быть стена, ткань или специальный фотофон.

Освещение — это самый важный аспект при фотографировании художественных работ. Неправильное освещение может исказить цвета, создать тени или блики. Вот несколько советов:

• Естественный свет. Снимайте в пасмурный день или в помещении рядом с окном. Прямые солнечные лучи могут создать резкие тени и пересветы.
• Искусственный свет. Если естественного света недостаточно, используйте две лампы дневного света или софтбоксы. Расположите их под углом 45 градусов к картине, чтобы избежать бликов.
• Равномерное освещение. Убедитесь, что свет равномерно распределён по всей поверхности работы. Используйте экспонометр или гистограмму на камере, чтобы проверить баланс света.
• Избегайте смешанного света. Не используйте одновременно естественный и искусственный свет, так как это может привести к неправильной цветопередаче.

Правильные настройки камеры помогут получить чёткое и качественное изображение. Вот основные параметры:

• Режим съёмки. Используйте ручной режим (M), чтобы контролировать все настройки.
• Диафрагма. Установите значение f/8–f/11 для оптимальной резкости.
• ISO. Используйте минимальное значение ISO (100–200), чтобы избежать шума.
• Выдержка. Настройте выдержку в зависимости от освещения. Используйте штатив, чтобы избежать размытия при длинной выдержке.
• Баланс белого. Настройте баланс белого вручную или используйте режим «Дневной свет». Если вы снимаете в RAW-формате, баланс белого можно скорректировать позже.
• Фокус. Используйте ручную фокусировку, чтобы точно настроить резкость на важных деталях.

Чтобы избежать искажений, важно правильно расположить камеру:

• Параллельность. Убедитесь, что камера расположена строго параллельно картине. Центр объектива должен находиться на уровне центра работы.
• Расстояние. Если картина большая, отойдите на достаточное расстояние и используйте зум, чтобы сохранить пропорции.
• Кадрирование. Убедитесь, что в кадр не попадают посторонние объекты, такие как рамки, стены или мебель.

После съёмки важно обработать изображения, чтобы они выглядели профессионально. Существует огромное количество графических редакторов — программ, которые позволяют корректировать экспозицию, баланс белого, цвета и резкость (например, Adobe Lightroom, Photoshop, GIMP или Canva).

Основные этапы обработки изображения:

• Коррекция экспозиции. Убедитесь, что изображение не слишком тёмное или светлое.
• Баланс белого. Скорректируйте оттенки, чтобы они соответствовали оригиналу.
• Кадрирование. Обрежьте лишние края, оставив только работу.
• Резкость. Слегка увеличьте резкость, чтобы подчеркнуть детали.
• Цветокоррекция. Убедитесь, что цвета соответствуют реальным. Используйте оригинал как эталон.
• Удаление дефектов. Уберите пыль, царапины или другие мелкие дефекты с помощью инструмента «Штамп» или «Точечная коррекция».
• Сохраняйте изображения в высоком разрешении (минимум 300 dpi) для печати.
• Для онлайн-портфолио используйте формат JPEG с оптимальным качеством.
• Если вы планируете печатать работы, сохраните файлы в формате TIFF, который сохраняет больше деталей.

Для качественного фотографирования важно учитывать тип ваших работ. Например, для графики и акварели используйте матовое стекло или снимайте под углом, чтобы избежать отражений (эти работы часто имеют блики из-за глянцевой бумаги).

В случае с объемными работами (такими как текстиль или скульптура) используйте несколько источников света, чтобы подчеркнуть текстуру и объём.

Большие картины снимайте по частям, а затем объединяйте изображения, например, в Photoshop с помощью функции «Автоматическое выравнивание слоёв».

Перед тем как загружать фотографии в портфолио, покажите их друзьям, коллегам или используйте соцсети для получения обратной связи. Иногда свежий взгляд помогает заметить недочёты, которые вы могли упустить.

Качественная фотография ваших работ — это не только способ показать ваше искусство, но и возможность произвести впечатление на зрителей, галеристов или потенциальных покупателей. Следуя этим советам, вы сможете создавать профессиональные изображения, которые точно передадут ваше творчество. Помните, что практика и эксперименты помогут вам найти оптимальный подход для съёмки и обработки.

****

Читайте также:

Музейный смотритель: человек — арт-объект

Правильные вопросы про изобразительное искусство

Пальма🌴как символ в живописи — что хотел сказать художник? Слава, традиции и дары ангелов

Виноградная лоза 🍇 как символ в живописи — что хотел сказать художник? Изобилие, наслаждение и опьянение

Художник говорит! 📣 Цитаты о воображении

Счастливая находка 🕵️‍♀️ Графика Владимира Дмитриева

****

Смотрите также:

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Вы уже разработали сюжет, собрали необходимые материалы, воплотили свою идею в жизнь и завершили создание картины. Однако на этом ваш творческий путь не заканчивается. Впереди вас ожидает, пожалуй, самый ответственный этап — придумать название для своего произведения.

На первый взгляд, задача кажется простой, но на самом деле это не так. Придумать название для картины — это настоящее искусство, способное помочь зрителю глубже понять ваше творчество, вызвать эмоции или задать направление для интерпретации.

Название картины обладает невероятной силой: оно может привлечь внимание или оттолкнуть, вызвать интерес или погасить желание изучать ваше творение. Как говорится, «как корабль назовешь, так он и поплывет».

Проанализировав свой опыт и изучив множество статей о том, как назвать картину, представляю подробный гайд, который, надеюсь, поможет вам найти идеальное название для вашего произведения.

1. Погрузитесь в свою работу

Взгляните на картину свежим взглядом. Отойдите от работы на некоторое время, а затем вернитесь к ней. Что вы чувствуете, глядя на неё? Какие эмоции она вызывает?

Определите ключевые элементы. Что является центральным объектом или идеей? Это может быть цвет, форма, сюжет, персонаж или абстрактная концепция.

Подумайте о процессе создания. Что вдохновило вас на создание этой работы? Были ли это личные переживания, природа, музыка, литература или что-то другое?

2. Определите тему и идею

Тема. Что вы хотели выразить? Это может быть любовь, одиночество, природа, время, мечта, борьба и т. д.

Идея. Как вы выразили эту тему? Например, если тема — одиночество, то идея может быть выражена через образ одинокого дерева в пустынном пейзаже.

Сформулируйте основную мысль. Попробуйте описать картину одним предложением. Например: «Это картина о надежде, которая светится даже в самых тёмных моментах жизни».

3. Используйте ассоциации

Эмоции. Какие чувства вызывает картина? Название может отражать радость, грусть, тревогу, спокойствие и т. д.

Цвета. Если в картине доминирует определённый цвет, он может стать частью названия. Например, «Синее безмолвие» или «Золотой закат».

Символы. Если в работе есть символические элементы (птицы, часы, дороги и т. д.), используйте их в названии. Например, «Птицы свободы» или «Бесконечная дорога».

Природа. Если картина связана с природой, подумайте о природных явлениях, временах года, растениях или животных. Например, «Танцующие берёзы» или «Утро в горах».

4. Экспериментируйте с языком

Поэтичность. Используйте метафоры, аллегории или образные выражения. Например, «Шёпот ветра» или «Слёзы неба».

Минимализм. Иногда короткое и простое название может быть очень мощным. Например, «Тишина» или «Свет».

Загадочность. Название может быть неочевидным, чтобы вызвать любопытство. Например, «Тайна № 7» или «Неизвестный путь».

Игра слов. Используйте каламбуры или двойные значения. Например, «Время летит» (если на картине изображены часы и птицы).

5. Обратитесь к внешним источникам вдохновения

Литература. Цитаты из книг, стихов или песен могут стать отличным названием. Например, «Бесконечная весна» (по мотивам стихотворения).

Музыка. Название песни или альбома может вдохновить вас. Например, «Симфония света» или «Ритм ночи».

Философия и мифология. Используйте философские концепции или мифологические образы. Например, «Икар» или «Вечное возвращение».

История и культура. Название может отсылать к историческим событиям, культурам или традициям. Например, «Танец огня» или «Следы древних».

6. Проверьте, как название звучит

Произнесите название вслух. Оно должно быть легко произносимым и запоминающимся.

Подумайте о зрителе. Название должно быть понятным или, наоборот, интригующим, но не слишком сложным или запутанным.

Избегайте клише. Старайтесь не использовать избитые фразы, если они не несут особого смысла для вашей работы.

7. Создайте несколько вариантов

Напишите список из 5–10 возможных названий. Пусть они будут разными: короткие, длинные, абстрактные, конкретные.

Попросите друзей или коллег высказать своё мнение. Иногда взгляд со стороны помогает выбрать лучшее название.

8. Оставьте пространство для интерпретации

По моему мнению, название не в каждом случае должно полностью объяснять картину. Оно может быть загадочным, чтобы зритель мог сам додумать историю.

Например, вместо «Закат на море» можно назвать работу «Последний луч», что звучит более поэтично и оставляет место для воображения.

9. Примеры удачных названий

Абстрактная картина: «Хаос и гармония», «Ритмы вселенной», «Танцующие линии».

Пейзаж: «Тишина леса», «Городские огни», «Рассвет над озером».

Портрет: «Взгляд в вечность», «Тайна улыбки», «Тени прошлого».

Сюрреализм: «Сны разума», «Мир наизнанку», «Ловец времени».

10. Не бойтесь менять название

Если со временем вы понимаете, что название не совсем отражает суть работы, его можно изменить. Картина — это живой процесс, и её название может эволюционировать вместе с вашим восприятием.

Главное — помните, что название должно резонировать с вами и вашей работой. Оно может быть как зеркалом, отражающим ваши мысли, так и ключом, который откроет зрителю дверь в ваш мир. Удачи в творчестве!

****

Читайте также:

Как художнику быть оригинальным?

Какой совет художнику самый полезный?

Чем картина Энди Уорхола отличается от ксерокопии?

Почему сложные тексты вредят искусству?

Где прочитать биографию неудачливого художника?

Как прошлый успех художника определяет его будущее? Эффект Матфея в арт-мире

****

Смотрите также:

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Существует распространённое мнение, что произведением искусства можно считать только то, что представлено в художественной галерее. Галерея, в свою очередь, воспринимается как символ качества и подлинности произведения. Согласны ли вы с этим?

Когда вы отправляетесь в художественную галерею, ожидаете ли вы, что обязательно встретите там прекрасное? Или вы считаете, что не только расположение в музее определяет ценность произведения искусства и для того, чтобы считаться произведением искусства, недостаточно просто находиться в галерее?

В этой статье я хочу рассмотреть вопросы, которые меня волнуют в контексте отношений между искусством, красотой, галереями и посетителями. Как это часто бывает, в этой статье больше вопросов, чем ответов. Точнее говоря, здесь представлены лишь мнения различных художников, искусствоведов и других людей, чья жизнь так или иначе связана с искусством.

Меня интересуют именно вопросы, а не готовые ответы, когда речь заходит об искусстве. Вопросы оставляют пространство для размышлений и воображения, в то время как ответы, как правило, ставят мысль в строго определенные рамки.

В художественной галерее вы предпочитаете слушать гида или самостоятельно изучать историю произведений? Вам хочется узнать больше о мире искусства или просто насладиться его красотой? Вы считаете, что прекрасное — это результат объективных знаний или субъективных переживаний?

Когда я прихожу в художественную галерею и останавливаюсь перед картиной, мне не хочется, чтобы кто-то говорил мне, что я должен увидеть или о чём подумать. Я хочу чувствовать то, что чувствую, видеть то, что вижу, и понимать то, что понимаю.

Джеймс Фрей

Как люди, мы смотрим на вещи и думаем о том, что видели. Мы храним эти мысли в своей личной художественной галерее.

Том Ганн

В художественной галерее не место тем, кто любит морализировать.

Хан Суин

Когда мы говорим о художнике, что он рисует, что мы имеем в виду? Что именно делает художник: копирует, пишет, фантазирует, усердно трудится, создаёт что-то новое, ведёт записи, преобразует или трансформирует образы? Или же это что-то другое?

Рисование — это просто ещё один способ вести дневник.

Пабло Пикассо

Цель искусства — не в том, чтобы копировать внешний вид вещей, а в том, чтобы раскрывать их внутреннее содержание.

Аристотель

Возможно, это звучит как утопический взгляд на искусство, но я искренне верю, что оно может стать инструментом, способным изменять жизнь. Я считаю, что искусство — это не просто культурный феномен или то, что происходит в художественных галереях. Если искусство не связано с опытом, который может вызывать страх и радость, оно становится просто украшением.

Энтони Гормли

Возвращаясь к началу статьи, хотелось бы узнать ваше мнение: где можно найти искусство? Только в специально оборудованных пространствах, таких как художественные галереи, где есть ограды, освещение, кондиционеры и таблички с надписями? Или же искусство можно отыскать в самых разных уголках нашей планеты?

Когда вы внимательны, весь мир становится похож на художественную галерею. Вы можете найти красивые вещи повсюду, и они совершенно бесплатны.

Чарльз Тарт

Красота — это не то, что мы видим по телевизору, в журнальных рекламах или даже в художественных галереях. Она гораздо глубже и проще. Это осознание того, что всё хорошо и что мы делаем мир немного лучше, чем он был до нашего появления здесь. Это способность ценить вдохновение, которое окружает нас, и стараться дарить его другим.

Чарльз де Линт

Прежде всего, художники должны быть не только в художественных галереях или музеях — они должны участвовать во всех сферах жизни общества. Художник должен вдохновлять на идеи, в какие бы проекты люди ни включались, на любом уровне.

Микеланджело Пистолетто

В парижских художественных галереях хранится лучшая коллекция рам, которую я когда-либо видел.

Хамфри Дэви

Умные художественные галереи осознают, что не сухие слова на бумаге, а эмоции, которые они передают в своих произведениях, заставляют клиентов доставать свои кошельки. Основная задача галереи — определить, будут ли эти произведения продаваться. То, что написано в вашей биографии, заявлении художника или резюме, не имеет значения, если вы не создаёте искусство, которое привлекает покупателей.

Джек Уайт

В наше время было бы неправильно утверждать, что искусство можно найти только в художественных галереях и оно не имеет отношения к повседневной жизни людей. Я считаю, что должен использовать любые доступные средства, чтобы донести до окружающих свои мысли и чувства по этому поводу. Не существует строгих правил, и если они всё же есть, то их вполне можно нарушать.

Искусство не должно быть чем-то, что вы тихо созерцаете в художественной галерее, склонив голову, и думаете: «Я должен вести себя очень тихо, я здесь, среди произведений искусства». Искусство окружает нас повсюду, и всё зависит от того, как мы используем свои глаза. Это возможность насладиться визуальными эффектами, и она доступна для всех.

Кен Донэ

Как вы думаете, имеет ли произведение искусства какую-либо ценность, когда оно находится за пределами художественной галереи? Создаёт ли само по себе пребывание в художественной галерее ценность, или же оно может её уменьшить? Возможно, галерея просто удостоверяет принадлежность произведения к миру искусства?

Если художественная галерея действительно связана с ценностью произведения, то какие аспекты этой ценности она отражает? Может быть, речь идёт о материальной, эстетической или какой-то иной стороне?

Какие функции выполняет (или должна выполнять) художественная галерея? Обучает ли она, продаёт, рекламирует? Галерея продвигает что-то или просто показывает? Оценивает ли она произведения или просто демонстрирует их?

Я люблю галерейный мир как пространство для выражения своих идей. В этом коммерческом пространстве, где мораль зачастую основывается на экономических принципах, художественная галерея становится важным местом для творчества.

Джефф Кунс

Благодаря нашему личному творческому опыту мы осознали, что истинные традиции в искусстве существуют не только в музеях, художественных галереях и великих произведениях. Они являются частью нашей природы и могут быть пробуждены с помощью творческого порыва в современном мире и в нашей стране. Мы, как творческие личности, способны вносить свой вклад в искусство.

Лоурен Харрис

Произведения искусства, на которые мы обращаем внимание, были созданы лишь немногими избранными. Небольшая группа людей формирует, продвигает, покупает, выставляет и определяет успех искусства. В мире всего несколько сотен человек обладают правом голоса в этой сфере. Когда вы посещаете художественную галерею, вы просто турист, рассматривающий коллекцию сокровищ, собранную несколькими миллионерами.

Бэнкси

Может ли пространство разрушиться? Я имею в виду пространство художественных галерей. За последние 100 лет художественные галереи прошли путь от изысканных салонов до простых витрин, промышленных лофтов и сверкающих гигантских белых кубов Челси с блестящими бетонными полами.

Джерри Зальц

Зарабатывание денег не должно быть единственной целью в жизни или образовании. В любом сообществе люди должны обладать разнообразными навыками и интересами. Они могут рисовать, писать, выступать, посещать художественные галереи и концерты мирового уровня. Только так они смогут создать яркое и интересное сообщество, которое будет всесторонне развито.

Го Чок Тонг

****

Читайте также:

Пикассо о том, как достичь успеха и почему в творчестве нельзя идти на компромиссы

Трели птиц тёплым летним утром

Как написать Artist Statement (заявление художника)? 🤔Полезный лонгрид с советами и примерами 🤗

Почему космонавты рисуют? 👩‍🚀🛰

Короткая заметка 💡 Про Пикассо, его первое слово, первую работу и успехи в учебе

Короткая заметка 💡 Про правило трех в искусстве

****

Смотрите также:

****

Спасибо за внимание и следите за обновлениями 😘

🤗💡Поддержать автора, художника и арт-блогера можно тут: pay.mysbertips.ru/88585573

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Было бы неправильно сказать, что Жоан Миро был просто художником. Скорее, он был многогранным творцом, который работал в различных жанрах: живописи, скульптуре, керамике и гобеленах.

Ещё одна причина, по которой Миро сложно отнести к какой-либо определённой категории или школе, заключается в том, что он всегда следовал своему уникальному стилю, отвергая современные художественные тенденции.

Миро, гордый каталонский художник, во многих своих работах обращается к родному краю. Его пейзажи и сказочные, символические изображения каталонского народа пронизаны любовью к Каталонии.

Творчество Миро тесно связано с сюрреалистическим движением. Однако, стремясь сохранить свободу в экспериментах со стилем и техникой, он избегал строгой принадлежности к какому-либо одному художественному течению. В его работах можно найти элементы сюрреализма, дадаизма, магического реализма, кубизма и фовизма, которые переплетаются между собой в различных пропорциях.

Стиль Миро оказал значительное влияние на более поздних абстрактных экспрессионистов, таких как Горький, Поллок и Ротко.

Однажды, поздним ноябрьским днём 1958 года, французский художник, писатель и искусствовед Ивон Тайландье беседовал с Миро о его творческом процессе и философии искусства. В результате этой беседы появилась замечательная книга «Миро: я работаю как садовник», изданная на французском и английском языках ограниченным тиражом в 75 экземпляров в 1964 году.

Эта книга остаётся самым непосредственным и исчерпывающим отражением идей Миро об искусстве. В данной статье я поделюсь с вами некоторыми цитатами из этой книги, которые помогут вам лучше понять мысли и чувства Миро.

Чтобы лучше понять настоящее и представить будущее, стоит обратиться к прошлому. Оно не даёт точных ответов на вопросы о том, что происходит сейчас или что будет происходить. Однако прошлое открывает гораздо больше, чем просто точные предсказания: оно позволяет нам лучше понять, что за человек перед нами, через что он прошёл и что пережил, что для него важно и чем он готов пожертвовать ради своих идеалов. Миро описывает себя в прошлом так:

Я человек трагичный и замкнутый. В юности я часто испытывал глубокую печаль. […]

Чего я стремлюсь достичь, так это душевного напряжения. Однако я считаю, что это напряжение не должно быть вызвано химическими средствами, такими как алкоголь или наркотики.

Атмосферу, способствующую этому напряжению, я нахожу в поэзии, музыке, архитектуре — например, в работах Гауди, которые великолепны, — в моих ежедневных прогулках и в определённых звуках: топоте лошадей за городом, скрипе деревянных колёс, звуках шагов, криках в ночи и стрекотании сверчков.

С одной стороны, подход Миро к созданию своих произведений кажется очень точным и тщательно продуманным:

Я стараюсь использовать цвета, как слова, которые формируют стихи, как ноты, которые формируют музыку.

С другой стороны, четкая организация работы не только не умаляет, но и способствует более точному и качественному выражению главного, ради чего, собственно говоря, и создаётся произведение искусства — передать чувства, эмоции, душевный порыв:

Работы должны быть задуманы с огнем в душе, но выполнены с клинической хладнокровностью.

Первый этап — это свободное, неосознанное творчество. Второй же — тщательно продуманный, тщательно выверенный процесс.

Дополнительным штрихом к портрету Миро является его отношение к юмору в произведениях искусства:

Если в моих картинах и есть что-то смешное, то я не стремился к этому сознательно. Юмор, возможно, проистекает из потребности, которую я испытываю, избавиться от трагической стороны своего темперамента.

Также приведу вот эту метафору Миро:

Мой способ работы — это поймать образ в тот момент, когда он только зарождается в моём сознании, как птицу, и сразу же перенести его на холст. Затем я начинаю приручать его, подчинять своей воле. Я беру его под контроль и развиваю.

Художники обладают множеством общих черт, и одна из них — неспособность быть равнодушными. Это лишь мое личное мнение, которое может не совпадать с реальностью. Однако мое искреннее убеждение состоит в том, что художник просто обязан быть неравнодушным к тому, что его окружает. И мне приятно, что мое мнение разделяет Миро:

Для меня всё вокруг словно живёт своей жизнью. Даже в сигарете и спичечном коробке я вижу тайны, которые порой кажутся более глубокими, чем у некоторых людей. Когда я смотрю на дерево, меня охватывает трепет, словно оно дышит и говорит. В нём тоже есть что-то по-человечески близкое мне.

Из книги «Миро: я работаю как садовник» мне особенно запомнилось отношение Миро к «неподвижности». Это состояние, противоположное вечному движению и потоку энергии.

Неподвижность поражает меня. Бутылка, стакан, большой камень на пустынном пляже — все эти предметы кажутся неподвижными, но в моём сознании они вызывают ощущение великого движения.

Люди, которые купаются на пляже и активно перемещаются, вызывают у меня гораздо меньше эмоций, чем неподвижность гальки. Неподвижные предметы становятся величественными, даже более величественными, чем движущиеся.

Неподвижность заставляет меня задуматься о больших пространствах, в которых происходят движения, которые не прекращаются ни на мгновение, движения, которым нет конца. Как сказал Кант, это мгновенное вторжение бесконечного в конечное. Галька, будучи конечным и неподвижным объектом, наводит меня не только на мысль о движении, но и о движении без конца. На моих полотнах это проявляется в формах, которые напоминают искры, вылетающие из рамы, как из жерла вулкана. […] На самом деле, я стремлюсь создать ощущение неподвижного движения, что-то вроде красноречия молчания или того, что, как я полагаю, имел в виду святой Иоанн Креста, говоря о немой музыке.

Возможно, потому что люди стремятся создать то, чего им не хватает, и наши способы преодоления трудностей становятся нашим искусством, Миро стремится к этому жизненному спокойствию, несмотря на огромное внутреннее смятение.

Когда картина меня не удовлетворяет, я испытываю физические страдания, как будто я болен, как будто моё сердце не работает должным образом, как будто я не могу дышать и задыхаюсь. Я работаю в состоянии аффекта и принуждения. Когда я начинаю работать над холстом, я повинуюсь физическому импульсу, потребности действовать; это как физическая разрядка.

Конечно, холст не может удовлетворить меня сразу. И вначале я испытываю это страдание… Это борьба между мной и тем, что я делаю, между мной и холстом, между мной и моими страданиями. Эта борьба меня безумно волнует. Я работаю до тех пор, пока страдания не покидают меня.

Многие люди считают, что искусство стало исключительно коммерческим направлением. Инструменты искусственного интеллекта предоставляют практически неограниченные возможности для создания визуальных образов, что можно сравнить с работой конвейера.

Все многообразие культурных материалов сводится к «активам» и «контенту». Оценка произведения искусства исключительно через количество условных единиц, за которые один человек готов расстаться с ним, а другой — приобрести, в конечном итоге снижает его нематериальную ценность.

В этой ситуации хорошо подходит высказывание Миро:

Если картина годами остаётся незавершённой в моей студии, меня это не расстраивает. Наоборот, я счастлив, когда у меня много картин, в которых есть отправная точка, достаточно важная, чтобы задать ритм, новую жизнь, новых живых существ.

Я воспринимаю свою студию как огород. Здесь растут артишоки, там — картофель. Листья нужно обрезать, чтобы плоды могли расти. В нужный момент я должен подрезать их.

Я работаю как садовник. Всё происходит медленно, но в своё время. Они растут, они созревают. Я должен сделать прививку, я должен поливать. Созревание происходит в моём сознании. Поэтому я всегда работаю над многими вещами одновременно.

В чем же суть произведения искусства? Миро предлагает своё видение на этот вопрос, не ограничиваясь определённым жанром, материалом или художественным направлением:

В картине должна быть возможность каждый раз открывать что-то новое. Однако, глядя на фотографию, вы можете не вспоминать о ней неделями. А можете увидеть её всего лишь на мгновение и думать о ней всю жизнь.

Для меня картина должна быть как искры. Она должна ослеплять, как красота женщины или стихотворение. Она должна излучать сияние, подобно тем камням, которые пиренейские пастухи используют для раскуривания своих трубок.

Важнее самой картины то, что она излучает. Неважно, будет ли она уничтожена. Искусство может умереть, но важно, чтобы она успела посеять семена на земле. Картина должна быть плодородной. Она должна породить целый мир.

Также примечательна идея Миро о взаимосвязи между глубоко личными мотивами, которые вдохновляют художника, и тем, как его творчество находит отклик у всех людей:

Глубоко индивидуальный жест становится анонимным. Эта анонимность позволяет достичь более универсального уровня. Чем более локальным что-то кажется, тем более значимым оно становится для всех.

Анонимность даёт мне возможность отказаться от самого себя, но этот отказ делает меня более уверенным в себе. Точно так же тишина — это отрицание звуков, но малейший звук в тишине становится оглушительным.

Эта практика заставляет меня искать звуки, скрытые в тишине, движение в неподвижности, жизнь в неодушевлённом, бесконечное в конечном, формы в пространстве и самого себя в анонимности. Отрицая отрицание, человек утверждает.

P. S. Жоан Миро был не единственным художником, который использовал метафору сада для описания своей жизни и творческого пути. Многие музыканты, работающие со звукозаписывающими технологиями как с инструментом композиции, также ассоциируют свои студии с садами.

Например, американский певец, гитарист-виртуоз и мультиинструменталист Принс записал великолепную песню под названием «Roadhouse Garden». Он посвятил её складу Flying Cloud Drive, где репетировал перед туром Purple Rain. Вот как звучит текст песни:

Это сад, где растут эмоции

Двадцать четыре чувства подряд

(На кассете и консоли для записи, которые использовал Принс, было 24 трека.)

Ральф Хюттер, лидер группы Kraftwerk, также говорил о музыке в этом контексте:

Она похожа на садоводство. Есть растения, которые вы взращиваете, а есть и те, что растут сами по себе. Это сезонное явление. Вот как это ощущается. Вот почему я называю Kling Klang своим электронным садом.

Брайан Ино, возможно, самый известный продюсер, известный своим подходом к работе в студии как к инструменту, прочитал лекцию на тему «Композиторы как садоводы». В этой лекции он затронул важный вопрос: как происходит переход от роли «архитектора» к роли «садовника»?

Он объяснил, что «архитектор» означает «тот, кто представляет полную картину работы до её выполнения», а «садовник» — «тот, кто сажает семена и ждёт, чтобы увидеть, что взойдёт». По мнению Ино, современные композиторы всё чаще становятся «садовниками», а не «архитекторами». Он также отметил, что метафора «композитор как архитектор» была лишь временным историческим явлением.

Ино сравнивает создание музыки с разбивкой сада. Человек сажает семена, даёт им возможность расти и развиваться, но не вмешивается в их жизнь. И результат может быть совершенно неожиданным. Ино говорит: «Ы своей работе я часто сталкиваюсь с тем, что не могу предсказать, как будет выглядеть или звучать конечный результат. Я стремлюсь создать условия, в которых я окажусь в такой же ситуации, как и любой другой слушатель. Я хочу быть удивлён, и часто это происходит.»

****

Читайте также:

Какой совет художнику самый полезный?

Чем картина Энди Уорхола отличается от ксерокопии?

Океан бессмыслицы: как написать плохой текст об искусстве 🖌📚

Миссия выполнима: как написать хороший текст об искусстве 🖌👨‍🎨

Короткая заметка 💡 О чем поговорить с незнакомым художником?

Короткая заметка 💡 Про цену времени художника

****

Смотрите также:

****

Спасибо за внимание и следите за обновлениями 😘

🤗💡Поддержать автора, художника и арт-блогера можно тут: pay.mysbertips.ru/88585573

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Мне в руки попало увлекательное исследование Ричарда Кендалла, посвящённое роли природы в творчестве Ван Гога. Этот каталог, получивший название «Ван Гог и природа», был подготовлен к крупной выставке и включает работы художника, которые были представлены на ней. Однако, что меня особенно заинтересовало, так это то, как Кендалл глубоко и всесторонне рассмотрел тему роли природы в жизни и творчестве Ван Гога.

Первый момент, на который справедливо обратил внимание Кендалл: Ван Гог успел пожить в разных уголках Европы, и каждая из этих местностей отличалась своим неповторимым природным колоритом.

В юности Ван Гог провёл время в сельской Голландии, где равнинные пейзажи, деревья, цветы и птицы стали основой для его ранних работ. Переехав в Париж, он столкнулся с новыми и радикальными взглядами на искусство, а также с изменениями в отношениях человека и природы.

Позже, в Провансе и Овере, Ван Гог открыл для себя новые территории, флору и фауну, которые значительно повлияли на его художественные идеи и тематику. Изображения Ван Гогом столь разнообразных пейзажей отражают не только его непосредственное окружение, но и эволюцию его взаимодействия с природой и искусством.

Соглашусь с тем, что наша среда и природа, которые нас окружают, оказывают значительное влияние на то, как мы воспринимаем мир. Серый городской квартал, зелёная роща с кустами сирени, ледяное дыхание северных морей или знойное солнце в южных широтах — всё это формирует наше видение.

Наша страна предлагает уникальную возможность каждому, кто живёт здесь и занимается изобразительным искусством, побывать в самых разных климатических зонах, на территориях с совершенно непохожими ландшафтами, температурами, часовыми поясами и продолжительностью светового дня. Однако, к сожалению, эта возможность для развития воображения и реализации творческих идей не всегда оценивается по достоинству.

Ещё один интересный факт, который заметил Кендалл, заключается в том, что в работах Ван Гога природа не просто фон, а полноценное действующее лицо. Чаще всего она изображена в состоянии воодушевления, возвышенной и утешительной.

Стремление Ван Гога к созданию «более возвышенной и утешительной природы» также проявляется в его желании объединить свои сады в диптихи и триптихи — религиозные формы искусства, тесно связанные с церковными интерьерами.

Ван Гог был знаком с подобными работами благодаря японской гравюре, где две или три ксилографии часто составляют единую сцену. У него самого было несколько таких гравюр, на некоторых из которых были изображены цветущие деревья.

Ассоциации с религией и утопической Японией придают идее Ван Гога представить свои работы в таком виде идеалистический оттенок.

Для Ван Гога природа была источником вдохновения. Именно так, источником. В дополнение к этому, природа была своеобразным проводником его душевного состояния.

В письме к Тео, написанном примерно 28 октября 1885 года, Ван Гог подробно объяснил, как он воспринимает окружающий мир и как старается передать с помощью цвета множество разнообразных настроений. По его словам, он изучал природу и ландшафт, чтобы не совершать ошибок. Однако он не был обязан слепо следовать натуре, когда дело касалось цвета. Ван Гог использовал разные оттенки, ведь цвет сам по себе способен что-то выражать. Его нельзя игнорировать, он должен быть частью картины. То, что выглядит красиво, по-настоящему красиво, тоже заслуживает внимания.

Одним из значимых этапов в развитии творчества Ван Гога стало понимание того, что цвет, особенно в сочетании с изображением природы, способен стать мощным инструментом самовыражения. Эта уникальная особенность стала отличительной чертой стиля Ван Гога.

В Нюэнене Ван Гог открыл для себя, что цвет может быть мощным инструментом самовыражения. Позже, во Франции, вдохновлённый работами импрессионистов, таких как Моне и Писсарро, а также постимпрессионистов, включая Сера и Гогена, он разработал яркую палитру, которая отличалась от натуралистических подходов.

Какое-то время Ван Гог также пытался работать, опираясь исключительно на своё воображение. Однако он всегда считал, что для современного художника изучение природы является основой его творчества. Художники не могут полностью изучить природу, им всегда приходится «вкалывать изо всех сил».

Для Ван Гога природа оставалась главным источником вдохновения. Он говорил: «Величайшее, мощнейшее воображение также создавало вещи непосредственно из реальности, которые ошеломляли».

Каталог Ричарда Кендалла «Ван Гог и природа» произвёл на меня сильное впечатление, потому что он помог мне увидеть в художнике ранимого и тонко чувствующего человека. О Ван Гоге написаны миллионы страниц, но описание Кендалла о том, как Ван Гог относился к природе, оказалось более талантливым, понятным и подробным, чем многие из этих миллионов страниц.

В сентябре 1889 года, находясь в приюте для душевнобольных в Сен-Реми, Ван Гог начал задумываться о возвращении на север. Он написал своему брату Тео:

«Ты знаешь, что я приехал на юг и с головой ушел в работу по многим причинам. Я хотел увидеть природу в новом свете и верил, что созерцание природы под более ярким небом может дать нам более глубокое понимание японского способа чувствовать и рисовать. Я также желал наконец увидеть это яркое солнце, потому что чувствовал, что без его знания невозможно понять картины Делакруа с точки зрения исполнения и техники. Кроме того, я чувствовал, что на севере цвета призмы скрыты за туманом. Всё это, в какой-то степени, остаётся правдой.»

****

Читайте также:

Хоакин Соролья: мастер солнечного света

Спокойствие, умиротворение и душевное тепло — глазами художников и словами поэтов

Дети глазами художников

Короткая заметка 💡 Про правило трех в искусстве

Короткая заметка 💡 Маргарита Алигер о красоте

Короткая заметка 💡 Что писатели говорят об искусстве?

Короткая заметка 💡 Валерий Брюсов про творчество

****

Смотрите также:

****

Спасибо за внимание и следите за обновлениями 😘

🤗💡Поддержать автора, художника и арт-блогера можно тут: pay.mysbertips.ru/88585573

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Когда художник занимается творчеством, его неизбежно интересует вопрос: как он относится к цвету? Является ли для него цвет инструментом, который он использует в своей работе, или же это объект, который он стремится преобразить? Способствует ли цвет выражению чувств героев или он сам становится главным героем произведения? Достаточно ли ему самого цвета или же он лишь помогает раскрыть содержание? Выражает ли цвет что-то или же он существует сам по себе?

Отношение художников к цвету представляет собой обширное поле для увлекательных исследований. Можно встретить как холодные, так и страстные его интерпретации. Одни художники безоговорочно верят в силу цвета, в то время как другие не придают ему особого значения. Однако, несмотря на разнообразие подходов, можно прийти к одному выводу: к цвету нельзя относиться равнодушно. Рано или поздно каждый художник должен определиться с собственной позицией по этому вопросу.

В этой статье познакомимся с историями нескольких художников, чье скрупулезное отношение к цвету вдохновляет на размышления и поиск собственного творческого «я».

Уильям Тернер:

Уильям Тернер — выдающийся британский художник-романтик, гравер и акварелист, который прославился своими яркими и выразительными полотнами. Особенно впечатляют его морские пейзажи, пронизанные солнечным светом.

Тернер был особенно увлечён желтым цветом, что вызывало критику со стороны некоторых критиков, утверждавших, что его работы словно «поражены желтухой». Чтобы добиться насыщенных оттенков, художник экспериментировал с акварелью Indian Yellow — флуоресцентным пигментом, полученным из мочи коров, которых кормили манго. Также для усиления яркости своих картин Тернер применял синтетический жёлтый хром — пигмент на основе свинца, который, как известно, может вызывать галлюцинации.

Клод Моне:

Клод Моне говорил: «Цвет — это моя навязчивая идея, источник радости и мучений в течение всего дня». Он неустанно исследовал его, многократно рисуя один и тот же предмет в разное время суток и при различных погодных условиях, стремясь понять, как свет влияет на восприятие цвета. Эти работы он переработал в своей студии, рассматривая множество оттенков и настроений.

В своем совете художникам Моне писал: «Когда вы приступаете к рисованию, постарайтесь забыть о том, что перед вами — дерево, дом, поле или что-то иное. Просто представьте, что перед вами лежат маленький голубой квадратик, продолговатый розовый прямоугольник и желтая полоска. Нарисуйте их так, как они вам видятся, стараясь точно передать их цвет и форму».

Василий Кандинский:

В детстве Василий Кандинский овладел игрой на виолончели и фортепиано. Став художником, он осознал глубокую связь между искусством и музыкой. По его словам, «звучание цветов настолько выразительно, что трудно найти человека, способного передать ярко-желтый цвет с помощью базовых нот или тёмное озеро — с помощью высоких».

Василий Кандинский сравнивал цвет с клавиатурой, глаза — с гармонией, а душу — с пианино, наполненным множеством струн. Художник, по его мнению, подобен руке, которая, прикасаясь к клавишам, вызывает вибрации в душе.

Василий Кандинский был уверен, что цвета и формы могут оказывать влияние на наше настроение и вызывать психические вибрации. Он писал: «Цвет скрывает силу, до сих пор неизвестную, но реальную, которая воздействует на каждую часть человеческого тела».

Анри Матисс:

Анри Матисс считал, что главная цель цвета — помочь художнику выразить свои мысли и чувства. Он говорил: «Цвет передаёт свет, не физический, а тот единственный свет, который существует на самом деле — свет в голове художника».

Анри Матисс также признавал, что раньше, когда он не мог определиться с выбором цвета для картины, он рисовал чёрным. Он считал, что чёрный цвет обладает силой, и использовал его, чтобы упростить композицию. Однако со временем он отказался от чёрного в пользу других цветов.

Хелен Франкенталер:

Хелен Франкенталер была талантливой художницей, которая всегда стремилась к новаторству в использовании цвета. На протяжении всей своей карьеры она развивала свои идеи, создавая масштабные абстрактные экспрессионистские полотна.

В начале 1950-х годов Хелен начала выставлять свои работы в современных музеях и галереях, где они сразу привлекли внимание благодаря своей яркости и экспрессивности. Для художницы было важно, чтобы ее картины выглядели как результат мгновенного вдохновения. Как она сама выразилась: «По-настоящему хорошая картина выглядит так, будто она была создана сразу».

В 1960-х годах она начала добавлять цветные полоски по краям своих картин, что делало края неотъемлемой частью композиции. Она также стала использовать отдельные пятна и кляксы сплошного цвета на белом фоне, часто в виде геометрических фигур.

К 1970-м годам она начала работать с более густой краской, что позволило ей создавать яркие, почти фовистические работы. На протяжении 1970-х годов Франкенталер исследовала способы объединения различных областей холста с помощью модулированных оттенков и экспериментировала с крупными абстрактными формами.

Ее работы 1980-х годов были гораздо более спокойными, с использованием приглушенных цветов и непринужденной манеры письма.

Джорджия О’Кифф:

Ярким примером того, как можно использовать как схожие, так и контрастные цвета, чтобы создать ощущение энергии, смелости и гармонии, является картина Джорджии О’Кифф «Отражение в озере Джордж». В этом произведении искусства О’Кифф направляет зрителя в нужное ей русло.

Противоположные цвета — оттенки красного и зеленого — подчеркивают силу и контраст. В то же время, аналогичные цвета — красный на фоне фиолетового и синий с зеленым — создают атмосферу умиротворения и безмятежности.

Также стоит обратить внимание на то, как она использует черно-белый цвет, который пересекает центр холста. Без этого приема картина не обладала бы такой великолепной интенсивностью и равновесием.

Джотто:

В большинстве древних культур золотой цвет олицетворял солнце и дух Божий. Однако в эпоху позднего Средневековья, когда жил Джотто, итальянский художник и архитектор из Флоренции, всё изменилось.

Джотто был убеждён, что синий цвет символизирует небеса и вечную жизнь. Он был настолько одержим этой идеей, что выкрасил потолок часовни Скровеньи в ярко-голубой цвет. Это было настоящим отступлением от традиционного использования золота, которое ассоциировалось с богатством и величием.

Голубое небо, занимающее большую часть многих сцен в соборе, создаёт ощущение безграничных возможностей и объединяет всё вокруг.

Винсент Ван Гог:

Винсент Ван Гог в своих работах часто проявлял глубокий интерес к цвету. Он писал: «…художник будущего будет колористом, подобного которому ещё не видел мир. Я уверен, что прав, полагая, что это произойдёт в более позднем поколении, и мы должны сделать всё возможное, чтобы поощрять это, без каких-либо сомнений и жалоб».

Ван Гог осознавал, насколько тесно связаны между собой цвета. Он утверждал: «Нет синего без жёлтого, и нет жёлтого без оранжевого».

Пабло Пикассо:

Как известно, трёхлетний «голубой период» в творчестве Пикассо, который длился с 1901 по 1904 год, был связан с глубокой депрессией, вызванной трагической гибелью его близкого друга Карлоса Касагемаса. Эта утрата стала огромным потрясением для художника, который из жизнерадостного и общительного человека превратился в затворника, погружённого в пучину отчаяния. Карл Юнг даже предположил, что психическое состояние Пикассо можно сравнить с шизофренией.

Возможно, самой известной работой этого периода является «Старый гитарист», на которой изображен старый нищий в рваной одежде, играющий на улицах Барселоны, Испания. Серия работ Пикассо под названием «Голубая серия» демонстрирует, как синий цвет, используемый в больших количествах, как это делал Пикассо, может погрузить зрителя в состояние уныния и меланхолии.

Марк Ротко:

Марк Ротко был одним из самых ярких представителей течения «Поле цвета», наряду с Хелен Франкенталер, Барнеттом Ньюманом и Клиффордом Стиллом.

Ротко видел в цвете инструмент, способный вызывать у людей самые глубокие эмоции. Каждая его работа была создана с целью вызвать разнообразные реакции у зрителей. Он достигал этого, используя многослойные сочетания цветов.

Картина «Белый центр» представляет собой яркий пример фирменного мультиформного стиля Ротко. На большом холсте переливаются несколько блоков многослойных цветов.

Уильям С. Рубин, бывший главный куратор Музея живописи и скульптуры в Нью-Йорке, писал о работах Ротко: «Его цветные прямоугольники, казалось, дематериализовались в чистый свет…».

Фернан Леже:

В своей работе «О монументальности и цвете», опубликованной в 1943 году, французский художник и скульптор Фернан Леже писал: «Тяга к цвету — это естественная потребность, такая же, как к воде и огню. Цвет — это основа, необходимая для жизни. В каждую эпоху своего существования и истории человек связывал цвет со своими радостями, поступками и удовольствиями».

Леже также отмечал: «Я создаю контраст между цветами, линиями и изгибами. Я противопоставляю кривые прямым линиям, цветные пятна — пластичным формам, а чистые цвета — тонким оттенкам серого».

Его стилизованные изображения взаимосвязанных геометрических фигур в сжатом, хаотичном композиционном пространстве отражают энергию современной жизни. Леже развивал свой кубистический словарь, в основном опираясь на поддержку салонных кубистов — художников, скульпторов и критиков, которые создали более красочную, разборчивую и публичную версию кубизма по сравнению с работами Жоржа Брака и Пабло Пикассо.

****

Читайте также:

Короткая заметка 💡 Про методику постановки целей BSQ

Короткая заметка 💡 Про стратегию «win-win» в искусстве

Короткая заметка 💡 Про бритву Оккама

Художник говорит! 📣 Цитаты о воображении

Счастливая находка 🕵️‍♀️ Графика Владимира Дмитриева

Драконы🐲как символы в живописи — что хотел сказать художник? Яд, хитрость и морская нечесть

Находка в Ярославле 🤗🖼 Музей имени В. Ю. Орлова

Небанальные онлайн-источники идей для художников

****

Смотрите также:

****

Спасибо за просмотр и следите за обновлениями 😘

🤗💡Поддержать автора, художника и арт-блогера можно тут: pay.mysbertips.ru/88585573

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Мария Клара Айммарт родилась в Германии в 17 веке. Это было непростое время для развития космических технологий, но даже несмотря на это, а также на отсутствие официального научного образования, Айммарт стала выдающейся художницей, гравером и астрономом. Она создала одни из самых впечатляющих произведений астрономического искусства со времён изобретения телескопа. В то время человечество не подозревало о существовании других галактик во Вселенной, но её работы, полные тайн и загадок, открывают новые горизонты в познании космоса.

Огромную роль в жизни Айммарт сыграл её отец, который привил ей глубокие знания французского, латыни, математики и искусства. Он был успешным гравером, рисовальщиком и живописцем, страстно увлечённым астрономией. Большую часть своего дохода он тратил на астрономические инструменты и в конце концов построил небольшую обсерваторию у городских стен Нюрнберга, где занимал пост директора Академии художеств.

Юная Мария Клара начала учиться у своего отца, развивая свои навыки как художница и астроном. Она помогала ему в наблюдениях и создавала графические изображения полученных данных.

В возрасте примерно 20-25 лет Айммарт создала серию великолепных и детально проработанных иллюстраций небесных тел. Среди них особое место занимают фазы Венеры, наблюдения за которыми менее века назад стали решающим шагом к опровержению геоцентрической модели Вселенной, предложенной Галилеем.

К сожалению, жизнь Айммарт оборвалась в возрасте всего лишь тридцати одного года. Но её наследие продолжает восхищать нас удивительными астрономическими гравюрами с изображениями Луны, планет Солнечной системы, комет и атмосферных оптических явлений, таких как параселен и паргелий.

Художник-астроном всегда будет на шаг впереди исследователя. Он способен изображать сцены, которые человеческий глаз никогда не увидит из-за их опасности или удаленности во времени и пространстве. — Винсент Ван Гог

Я не знаю ничего о космосе, но когда я смотрю на звёзды, меня переполняют мечты. Это похоже на то, как я мечтаю о чёрныхточках на карте, обозначающих деревни и города. Я спрашиваю себя, почему сияющие точки на небе не могут быть такими же доступными, как чёрные точки на карте Франции? — Артур К. Кларк

Художники способны передать события, связанные с освоением космоса, с более широким спектром эмоций, более личными реакциями человека и неожиданными ракурсами, чем на многочисленных фотографиях, которые хранятся в коллекциях НАСА. — Уильям Хартманн

****

Читайте также:

Как художнику быть оригинальным?

Какой совет художнику самый полезный?

Чем картина Энди Уорхола отличается от ксерокопии?

Почему сложные тексты вредят искусству?

Короткая заметка 💡 О чем поговорить с незнакомым художником?

Короткая заметка 💡 Про цену времени художника

Короткая заметка 💡 Про сон как помощник художника

****

Смотрите также:

****

Спасибо за просмотр и следите за обновлениями 😘

🤗💡Поддержать автора, художника и арт-блогера можно тут: pay.mysbertips.ru/88585573

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

В этой статье я хочу поделиться с вами удивительной находкой —цветными иллюстрациями из книги, которая носит довольно длинное название: «Пуассоны, креветки и крабы… среди обитателей Молуккских островов и южных котлованов Австралии — рыбы, раки и крабы различных расцветок и необычных форм, которых можно встретить на Молуккских островах и побережьях Австралии». Это одно из самых подробных названий энциклопедий, с которыми мне приходилось сталкиваться.

Книга появилась благодаря Луи Ренару, который был британским подданным и работал на службе по борьбе с контрабадой. Онзанимался досмотром судов, выходящих из портов Амстердама. В свободное время он занимался книжным делом и успешно применял свои таланты в области художественной иллюстрации.

В этой книге содержится около 460 красочных иллюстраций, занимающих 100 листов. Однако они представляют собой нечто большее, чем просто красивые картинки. Это целый морской мир, целая вселенная, живущаяпо своим собственным законам, хотя и не лишённая неизбежных изменений, вызванных активной деятельностью человека.

Здесь можно встретить удивительных существ: драконов океана, морских бабочек и рыб, похожихто ли на павлинов, то ли на лошадей —множество необычных созданий, детально прорисованных в цвете.

Их странные и завораживающие лица кажутся одновременно чуждыми и поразительно человечными, словно проекционные экраны для наших собственных эмоций. Круглые немигающие глаза этих существ застыли в вечном удивлении, аих зубастые нижние челюсти приоткрыты в агрессивном непонимании.

Иногда кажется, что эти морские обитатели слишком фантастические. Однако, насколько японимаю, среди них есть и вымышленные, но их немного. Многие виды можно идентифицировать в соответствии с современными классификаторами.

Какие ассоциации вызывают у вас эти чудесные существа с иллюстраций? Возможно, они кого-то напоминают?

Не кажется ли вам, что иногданедостаточно просто прочитать о каком-то природном чуде, но его нужно увидеть своими глазами, пусть даже через «художественные линзы»?

Когда вы наблюдаете, как воображение рисует очертания, а разум дополняет детали, перед вами — человек.

Генри Стэнли Хаскинс

Я часто проводил часы в мечтах, и люди иногда думали, что я очень занят. Я осознаю, что это приводит к пустой трате времени, но без такого «лечения фантазиями» я бы, вероятно, не дожил до этого возраста.

Георг Кристоф Лихтенберг

В целом, серьёзное и внимательное наблюдение за природой способствует развитию воображения и интеллекта, а эти качества бесценны для каждого из нас. В домашнем кругу они представляют собой лучшие черты вашей личности, которые так любила ваша мать и которые, к сожалению, не всегда признаются теми, кто делит человека на разум и тело. Воображение и интеллект помогают объединить эти две составляющие и сохранить их яркость и целостность.

Уолтер Моксон

****

Читайте также:

Что мотивирует художника творить?

Зачем художник подписывает свои картины?

Как написать рецензию на картину?

Дыхание моря на холсте: морские волны и океанские глубины на картинах художников

Мир, натюрморт, май

Художник говорит! 📣 Цитаты о любви и искусстве ❤️

Работа мешает стать великим художником. Или нет? 🤔🙋‍♀️

****

Смотрите также:

****

Спасибо за просмотр и следите за обновлениями 😘

🤗💡Поддержать автора, художника и арт-блогера можно тут: pay.mysbertips.ru/88585573

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Немногие художники так сильно повлияли на восприятие целых поколений детей, как супружеская пара Элис и МартинПровенсен. В середине XX века они создали яркие иллюстрации, охватывающие широкий спектр тем и образов — от классических сказок до произведений, посвящённых Уильяму Блейку.

В 1956 году нью-йоркское издательство Golden Press заказало Провансенам иллюстрировать адаптацию «Илиады» и «Одиссеи» Гомера для юных читателей. Так появилась «Гигантская золотая книга Илиадаи Одиссея», которая стала настоящей классикой детской литературы.

Следует отметить, что произведения Гомера могут вызвать у детей некоторое затруднение по нескольким причинам: из-за стихотворного размера, множества незнакомых имён и культурных реалий, а также из-за необычного хронотопа поэмы. Именно поэтому работа художника-иллюстратора приобретает особое значение в таких случаях.

Художник должен с аккуратностью, точностью и художественным вкусом подойти к своей работе. Важно не допустить излишнего историзма и при этом передать авторский взгляд, который поможет детям лучше понять контекст и персонажей.

Я считаю, что Элис и Мартин справились с этой задачей на отлично!

Какое слово ты скажешь, такое в ответ и услышишь.

Об одном следует говорить, о другом молчать.

Время на все есть: свой час для беседы, свой час для покоя.

Глупец познает только то, что свершилось.

Прекрасное недолговечно.

Приятны завершенные труды.

Гомер

****

Читайте также:

Короткая заметка 💡 Валерий Брюсов про творчество

Короткая заметка 💡 Пикассо, Ренуар и Делакруа про искусство

Короткая заметка 💡 Про принципы дизайна

Океан бессмыслицы: как написать плохой текст об искусстве 🖌📚

Миссия выполнима: как написать хороший текст об искусстве 🖌👨‍🎨

Глазами художника — прогулка на морском побережье ясным летним днем

Художник говорит! 📣 Цитаты о природе

****

Смотрите также:

****

Спасибо за просмотр и следите за обновлениями 😘

🤗💡Поддержать автора, художника и арт-блогера можно тут: pay.mysbertips.ru/88585573

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Порой мы поддаёмся лени и стараемся избежать трудных задач. Мы теряем свою внутреннюю мотивацию и перестаём видеть смысл в том, что раньше вызывало у нас интерес. Мы ищем вдохновения в окружающем мире, но, к сожалению, не всегда находим его.

Но есть способ возродить эту искру. Как снова вдохновить себя на усердную работу?

Никто не знает вас лучше, чем вы сами. Только вы знаете, какой потенциал у вас есть и чего вы можете достичь. Вы сами решаете, что вас движет. Возможно, сейчас внутри вас царит хаос, но если вы проявите терпение к себе, то сможете вновь обрести ту страсть, которая раньше вдохновляла вас на великие дела.

Позвольте поделиться с вами несколькими советами, которые помогут вам на этом пути.

Знайте свой план.

Запишите, чего вы хотите достичь в ближайшие полгода или год. Определите конкретный период времени, сформулируйте свою главную цель, а затем подробно распишите, как вы будете двигаться к ней.

Какие шаги необходимо предпринять? Какие навыки и ресурсы у вас уже есть? Какие навыки требуют развития? Что вам действительно нужно для достижения желаемого?

Поначалу составление плана может показаться сложной задачей, но когда вы распишите все детали, вы обретете ясность. Это позволит вам сосредоточиться на том, чего вы действительно хотите. А ведь сосредоточенность и ясность — ключевые составляющие успеха. Без них вы будете отвлекаться и сбиваться с пути. Поэтому не теряйте концентрацию. Составьте план, знайте его и следуйте ему неуклонно.

Проблема не в нехватке времени, а в отсутствии цели. Ведь у всех нас день длится 24 часа в сутки.

Зиг Зиглар

Искореняйте негатив и развивайте оптимизм.

Негативные мысли — это ваш главный враг. Они отнимают вашу энергию и не приносят ничего полезного. Конечно, иногда приятно злиться и винить в своих проблемах окружающих, но в конечном итоге этот негатив возвращается к вам и мешает вашему прогрессу.

Поэтому, когда вы в следующий раз поймаете себя на негативных мыслях о своих целях, потенциале или достижениях, будьте готовы к борьбе. Помните, что они — ваши враги. Противопоставьте им позитивные мысли и поддержите себя. Воспринимайте это как борьбу, в которой вы должны одержать победу, несмотря ни на что.

Иногда всё может казаться сложным, но если вы будете постоянно настороже, то постепенно вам станет легче. Помните, что самый трудный — это первый шаг, а всё остальное уже будет даваться проще.

Будьте готовы к тому, что на вашем пути встретится много трудностей и не исключено, что вы совершите ошибки. Однако, что бы ни происходило, сохраняйте позитивный настрой и никогда не теряйте надежду. Ведь именно надежда — это то, что у вас есть по-настоящему. Остальное можно исправить, но если вы утратите надежду, то потеряете всё. Поэтому никогда не теряйте веру в свои силы.

Будущее цивилизации зависит от того, сумеем ли мы преодолеть чувства бессмысленности и безысходности, которые сейчас так распространены среди людей. Необходимо возродить надежду и решимость, которые станут основой для новых свершений.

Альберт Швейцер

Будьте настойчивы.

Настойчивость — это ключевое качество, если вы хотите достичь своих целей. Без нее вы рискуете заблудиться на пути к успеху. Когда вы перестаете работать и откладываете дела на потом, вас могут отвлечь разнообразные соблазны. Они наполняют ваш разум негативной энергией, которая мешает вашему продвижению вперед.

Поэтому никогда не сдавайтесь и не позволяйте себе унывать. Делайте все возможное, чтобы никогда не упускать свои ежедневные задачи.

Поражение часто бывает временным состоянием. Но когда мы сдаёмся, оно становится постоянным.

Мэрилин Вос Савант

Будьте неутомимы в достижении своей цели.

На пути к успеху вы встретите множество препятствий и неудач. Вас будут ожидать отказы и разочарования, и, возможно, все пойдет не так, как вы ожидали. Люди будут говорить вам разные вещи, чтобы обесценить ваши усилия. Но вы должны сохранять настойчивость и продолжать двигаться к своей цели.

Однако всегда помните, что препятствия можно превратить в достижения, поражения — в уроки, а отказы — в возможность стать сильнее и лучше подготовиться к достижению вашей цели. Если что-то пошло не так, как вы ожидали, не отчаивайтесь. Вы можете превратить это в ступеньку, которая приведёт вас к успеху. Никогда не сдавайтесь и не принимайте всё близко к сердцу.

Человек не стал бы ничего делать, если бы ждал, пока не научится делать это настолько хорошо, что никто не сможет найти к чему придраться.

Джон Генри Ньюман

Оставайтесь скромными.

Чтобы не останавливаться на достигнутом и постоянно совершенствоваться, важно сохранять скромность. Когда успех переполняет вас, вы можете потерять ориентиры и перестать замечать свои ошибки и слабости. Но если вы стремитесь к новым вершинам, вам необходимо помнить, как много еще предстоит изучить и преодолеть. Только так вы сможете продолжать двигаться вперед и достигать невозможного.

Смирение помогает вам сохранять равновесие и оставаться в реальности. Когда вы забываете о смирении, вы погружаетесь в мир фантазий. Это, безусловно, приятно, но когда реальность, в виде испытаний или неудач, обрушивается на вас, вы можете оказаться неподготовленным и упасть, словно сухой лист на землю. Поэтому оставайтесь скромными, осознавайте свои недостатки и будьте честны с собой.

Мы восхищаемся красотой бабочек, но редко признаем, через какие изменения им пришлось пройти, чтобы достичь этой красоты.

Майя Анжелу

Когда вы становитесь источником вдохновения для самого себя, ничто не может вас остановить. Иногда вы можете отступать или падать духом, сталкиваясь с жизненными препятствиями, но вы возвращаетесь снова и снова, чтобы достичь своей цели. Почему? Потому что внутреннее вдохновение всегда направляет вас на верный путь.

Позвольте своей мечте поглотить вашу жизнь, а не вашей жизни поглотить вашу мечту.

Антуан де Сент-Экзюпери

****

Читайте также:

Драконы🐲как символы в живописи — что хотел сказать художник? Яд, хитрость и морская нечесть

Находка в Ярославле 🤗🖼 Музей имени В. Ю. Орлова

Небанальные онлайн-источники идей для художников

Автопортрет — вместо тысячи слов

Устами инвестора глаголет истина: Пол Грэм об искусстве, вкусе и Леонардо из Милана

Короткая заметка 💡 Про бритву Оккама

Короткая заметка 💡 Польза ошибок для творчества

****

Смотрите также:

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям

В книгах, статьях, подкастах много говорится о творческой смелости, авторском взгляде и цели искусства. Но что всё это значит на самом деле?

Какого художника можно назвать смелым, а какого — нет? В каких случаях творческие задачи служат высоким целям искусства, а в каких они лишь прикрыты маской творчества и не имеют ничего общего с настоящим искусством? Где находится граница между творческим копированием и индивидуальным стилем?

Я думаю, что художнику полезно время от времени задавать себе эти открытые вопросы и анализировать свои ответы на них. Ведь наше восприятие творческой работы напрямую влияет на то, как и что мы делаем в качестве художников.

«Творчество требует смелости» — эти слова Анри Матисса наполнены глубокой мудростью. Не каждое великое произведение искусства обязательно должно быть глубокомысленным, но те, что действительно выделяются, часто содержат в себе важные идеи и переживания.

Например, если подумать о некоторых современных фильмах, которые стали поистине великими, то, вероятно, в них можно найти правдивые истории, глубокие мысли и запоминающиеся диалоги. Эти фильмы часто затрагивают актуальные темы и находят отклик у широкой аудитории, передавая словами и эмоциями чувства, которые лежат глубоко в нашем подсознании.

Более того, креативность не всегда находит поддержку, особенно вне коммерческих сфер. Выделиться из толпы может быть непросто в социальном плане, но крайне важно, чтобы ваш внутренний голос звучал в ваших работах!

Не забывайте оставаться собой в процессе творчества. Требуется немалая смелость, чтобы рассказать историю так, как вы её видите; большинство вещей, о которых стоит говорить, в прошлом воспринимались не очень хорошо.

«Художник занимает скромное положение. По сути, он просто служит каналом коммуникации» — Пит Мондрайн.

Позволяя своему разуму свободно блуждать, мы открываем двери к творчеству. Некоторые из самых оригинальных идей в мире возникают во время выполнения рутинной работы или в моменты уединения. История полна примеров таких «эвристических» озарений, начиная с исторических личностей, таких как Исаак Ньютон, и заканчивая художниками, такими как Леонардо да Винчи.

«Цель искусства — не воспроизводить реальность, а создавать реальность такой же интенсивности» — говорил Альберто Джакометти.

Работа художника заключается не в простом копировании того, что уже существует. Напротив, всё обстоит совершенно иначе.

Художники призваны улавливать суть вещей, будь то плод воображения или нечто материальное. Людей привлекает не сама вещь, а взгляд художника на неё.

Искусство фотографии наглядно демонстрирует это. Великий фотограф способен увидеть в обычных предметах повседневной жизни красоту и создать историю в одном кадре. Глазомер фотографа или его сознание позволяют ему создавать достоверные художественные работы.

Урок здесь заключается в том, что у вас может быть любая точка зрения, которую вы пожелаете; просто убедитесь, что она у вас есть.

«Не бойтесь совершенства, вы никогда его не достигнете», — говорил Сальвадор Дали.

Даже этот великий сюрреалист был уверен, что идеал недостижим.

Важно научиться наслаждаться процессом и не зацикливаться на конечном результате. Чем больше вы погружаетесь в работу, тем лучше себя чувствуете. А когда вы в хорошем настроении, у вас появляется больше энергии, чтобы использовать свои мысли на благо как в творчестве, так и в жизни в целом.

«Каждый ребёнок — художник. Проблема в том, как остаться художником, когда мы вырастаем», — говорил Пабло Пикассо.

Не позволяйте окружающему миру убедить вас, что вы не художник. И даже если ваши внутренние мысли подсказывают вам обратное, не поддавайтесь этому убеждению.

Творческая натура — это часть человеческого разума. Мы рождаемся с глубоким чувством удивления и богатым воображением. Наша цель — никогда не терять это детское любопытство, которое когда-то было в нас.

Если вы чувствуете, что эта радость от творчества уходит, просто погрузитесь в гармонию с собой и природой. Природа — наш лучший учитель, она предоставляет бесконечное количество материала для размышлений и вдохновения!

****

Читайте также:

Зачем платить меньше, когда можно заплатить больше? Нерушимый союз искусства и денег 🤝

Художник говорит! 📣 Цитаты о самих себе + пара слов про дневники художников

Выйти за границы холста: художники, создававшие текстильные узоры 🎨⚜️

Самая важная инвестиция: бренд художника 👏

Главное — сделать первый шаг: Как выглядят первые картины художников 🖼

Праздник, который всегда с тобой: Музей елочной игрушки в Клину 🎄🎉

****

Смотрите также:

****

Спасибо за просмотр и следите за обновлениями 😘

🤗💡Поддержать автора, художника и арт-блогера можно тут: pay.mysbertips.ru/88585573

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Каждый стиль в искусстве характеризуется своими уникальными художественными приёмами. Композиция, цвет и форма — все эти аспекты по-своему раскрываются в каждом стиле.

Например, в произведениях эпохи Возрождения часто встречаются такие приёмы, как светотень, которая создаёт глубину за счёт игры света и тени, и сфумато — мягкое смешение цветов, придающее работам бархатистую нежность.

Импрессионизм, в свою очередь, отличается свободной манерой письма и акцентом на световых эффектах. Художники часто рисовали на пленэре, чтобы запечатлеть пейзажи и повседневную жизнь.

Другой пример — сюрреализм, который примечателен такими техниками, как автоматизм и сопоставление. Эти приёмы использовались для исследования подсознания и создания иррациональных сцен, напоминающих сны.

Абстрактный экспрессионизм, с его спонтанными техниками, такими как рисование каплями и экшн-живопись, позволяет художникам выражать эмоции без привязки к конкретному предмету.

Эти художественные приёмы не только формируют визуальный облик каждого стиля, но и отражают культурный и исторический контекст, в котором было создано произведение искусства.

****

Читайте также:

Город как место обитания и образ жизни: взгляд художника

Уроки творчества от Рика Рубина

Короткая заметка 💡 Урок власти от Энди Уорхола

«Нам не смешно»: почему в изобразительном искусстве мало юмора?

Энциклопедия морских существ как произведение искусства

****

Смотрите также:

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Мы идем по жизни, словно скользя по поверхности, где мерцают наши достижения, а страдания остаются незамеченными для окружающих. Избирательная коллективная память, которую мы называем историей, способствует этой добровольной слепоте, скрывая огромную цену, которую мы платим за некоторые из самых значимых достижений человечества — великие открытия, великие симфонии, великие изменения в мировоззрении.

Страдание — не обязательное условие величия, хотя в творческой среде широко распространена точка зрения о «замученном гении». Вместе с тем, как писала американская поэтесса Эмили Дикинсон, «только пройдя через врата страдания, душевного или физического, мы можем испытать то нежное сочувствие к горестям всего человечества, которое должно быть идеалом каждой души».

Люди с неординарным творческим видением часто затрагивали душу человечества, но не своими страданиями, а через них. За творческими взлетами и падениями — высокая личная цена, которую приходится платить каждому творческому человеку. Возможно, высший признак величия — оставлять после себя что-то значительное и приятное, несмотря на горькие разочарования и разбитые сердца.

Наглядным примером этому служит творческая карьера Джона Джеймса Одюбона, о которой пойдет речь в этой статье.

Джон Джеймс Одюбон не получил полноценного художественного образования, но его страсть к искусству была настолько сильна, что он решил заняться самообразованием и стал учиться рисовать с натуры.

Птицы были главной любовью Одюбона, и он поставил перед собой цель создать коллекцию, которая будет не только ценной для научного сообщества, но и приятной для каждого человека.

На своем творческом пути Одюбон сталкивался с множеством трудностей. Как он сам метко подмечал, «мой карандаш породил целую семью калек». Однако он не сдавался и продолжал рисовать, практикуясь и оттачивая свое мастерство. Каждый год он сжигал целые серии рисунков птиц, которые его не удовлетворяли, и начинал все сначала, часто тратя на одну птицу четырнадцать часов подряд.

В то время он старался изо всех сил обеспечить свою семью. Он пробовал себя в различных начинаниях: на производстве индиго, на лесопилке и в пароходстве, но все они заканчивались крахом и обходились ему дороже, чем он вкладывал.

Осознавая, что у него нет деловых способностей, Одюбон обратился к своим творческим талантам. Он давал уроки танцев, рисовал портреты чёрным мелом по 5 долларов за штуку и даже писал президенту Монро, надеясь получить назначение художником и натуралистом в правительственную экспедицию. К сожалению, ответа он так и не получил.

Трудности продолжали преследовать Одюбона. Во время путешествия по реке Миссисипи рядом с ним взорвалась бутылка с порохом, повредив 200 его рисунков с птицами. Ещё примерно столько же рисунков были уничтожены крысами в доме друга, где Одюбон оставил их на хранение. Как он писал: «Пара норвежских крыс завладела всем этим и вырастила молодую семью среди обглоданных кусочков бумаги, которые всего месяц назад представляли собой почти тысячу обитателей воздуха!»

Оптимизм Одюбона помогал ему преодолевать трудные времена, но иногда казалось, что его сердце не выдержит груза разочарований. Вспоминая свои молодые годы с высоты прожитых лет, Одюбон с особой печалью вспоминал один из самых сложных периодов в своей жизни:

Мир казался мне безрадостным, и на сердце было тяжело, ведь мне едва хватало сил, чтобы заботиться о близких. Но даже в такие трудные времена я находил в себе силы развивать таланты, которые мне были дороги и приносили радость всем вокруг.

На протяжении всей своей жизни Одюбон оставался верен своему предназначению, несмотря на все трудности и препятствия. Он работал с усердием, граничащим с одержимостью, стремясь реализовать свой замысел.

В своём дневнике, который позже отредактировала его внучка Мария, Одюбон описывает события осени 1829 года как особенно напряжённые:

Я бы хотел, чтобы у меня было восемь пар рук… И всё же я очень доволен тем, что создал за этот сезон. За четыре месяца я нарисовал сорок два рисунка: одиннадцать больших, одиннадцать средних и двадцать два маленьких. На них изображены девяносто пять птиц — от орлов до воробьёв, а также растения, гнёзда, цветы и шестьдесят различных видов яиц.

Я живу один и почти ни с кем не общаюсь, кроме тех, кто живёт в моём доме. Я встаю задолго до рассвета и работаю до темноты, а затем отправляюсь на прогулку и ложусь спать.

Главным трудом всей жизни Одюбона стали «Птицы Америки».

Альбом «Птицы Америки» состоит из 435 страниц, которые разделены на 87 частей, каждая из которых содержит пять иллюстраций. На этих рисунках обычно можно увидеть нескольких птиц одного вида, изображённых в их естественной среде обитания. Птицы на этих картинах ведут себя по-разному: охотятся, кормятся, ухаживают друг за другом или за птенцами. На некоторых рисунках изображены охотники вместе со своими жертвами, а иногда птицы одного вида сражаются за выживание.

Всего в альбоме представлено 1065 птиц, которые Одюбон распределил по 489 различным видам. Однако, учитывая многочисленные повторы, несколько гибридов и неидентифицированных птиц, Сьюзан Лоу (Susanne M. Low) смогла определить 443 вида.

Первые 350 иллюстраций обычно посвящены одному виду птиц, но начиная с иллюстрации 353 Одюбон начал объединять разные виды на одной странице, пытаясь вместить больше птиц. В общей сложности насчитывается 30 таких «смешанных» иллюстраций.

История создания альбома «Птицы Америки» — это не история о быстром успехе, а история о преодолении трудностей. Можно сказать, что альбом был создан не благодаря чему-то, а вопреки всему.

Когда Одюбон впервые предложил издателям свои «Птицы Америки», он получил отказы. Поэтому он решил опубликовать свой грандиозный труд самостоятельно, полагаясь на поддержку подписчиков. Он попросил внести залог в размере 1000 долларов за весь объём работы.

На завершение работы над первым томом у него ушло четыре года, и к тому моменту он потерял более трети своих подписчиков.

Америка, уже искушенная в искусстве и еще только начинающая свой путь в науке, казалась ему не готовой к восприятию его идей. Поэтому Одюбон отправился в Европу в поисках подписчиков. Чтобы оплатить свой проезд, он расписывал каюты кораблей, а чтобы приобрести подходящую обувь, рисовал портреты сапожника и его жены.

Эта поездка была идеей его жены Люси, которая поддерживала его, несмотря на то, что друзья считали его безумцем, раз он продолжал заниматься делом, обреченным на провал. «Моя жена решила, что мой гений должен восторжествовать и что мой окончательный успех как орнитолога должен быть триумфальным», — вспоминал он позже.

Чтобы помочь с публикацией работы своего мужа, Люси начала преподавать — неустанно, привлекая все больше и больше студентов, пока не стала зарабатывать ошеломляющие 3000 долларов в год.

В те времена печать книг с текстом и цветными иллюстрациями была сложным и дорогостоящим процессом. К тому времени, как Одюбон завершил работу над «Птицами Америки», окончательная стоимость издания составила 115 640 долларов — огромные деньги по тем временам.

В общей сложности на завершение работы у Одюбона ушло четырнадцать лет. «Немногие предприятия, требующие такого труда и таких затрат, когда-либо осуществлялись с такими трудностями», — с восхищением писал великий натуралист Джон Берроуз в своей биографии Одюбона.

Искусство каждого художника — это способ преодолеть жизненные трудности. То, как мы реализуем свой творческий потенциал, во многом зависит от того, как мы справляемся со страданиями. Мы учимся спасать себя, находя и подпитывая то, что надежнее всего поддерживает наши силы и разум. Это может быть дружба, лес, песни, море или, прежде всего, ощущение чуда.

****

Читайте также:

Кто лучший портретист: художник, писатель или нейросеть?

Современное искусство понимают не все. Что с ним не так?

Надо нарисовать картину. С чего начать? И как продолжить?

Как искусство помогает художникам справляться с жизненными трудностями?

Чем писатель может помочь художнику?

Надо ли художнику оправдывать ожидания?

****

Смотрите также:

****

Спасибо за просмотр и следите за обновлениями 😘

🤗💡Поддержать автора, художника и арт-блогера можно тут: pay.mysbertips.ru/88585573

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Возможно, это человек, который с нетерпением ждёт, когда его идеи воплотятся на холсте, но сам не стремится научиться рисовать?

Или тот, кто ценит искусство в целом, за исключением одного конкретного произведения, которое оценивается в данный момент?

Или тот, кто первым делом предполагает, что художник хотел нарисовать что-то иное, чем то, что он в итоге создал?

Или тот, в ком не нуждаются те, кто стремится разобраться в искусстве?

Или тот, кто зацикливается на определённых «правилах» и «стандартах», забывая о сути искусства и отказываясь от своей обязанности быть культурно и интеллектуально вовлечённым в идею развития?

Или тот, в чьих словах пытаются найти то, что не смогли понять на холсте?

Или тот, кто мог бы с таким же успехом критиковать, например, ландшафтный дизайн или экономические реформы, но по воле случая оказался в рубрике про искусство?

Как видно из этого небольшого списка возможных ответов, вопрос о том, кто такой художественный критик, гораздо шире, чем просто обсуждение функций и целей этой профессии. Он включает в себя размышления о том, почему и зачем мы обращаемся к мнению других людей, когда формируем собственное представление о произведении искусства. Также он затрагивает вопросы о качестве такого мнения, которое должно помогать нам лучше понимать искусство, а не искажать наше восприятие. Кроме того, он поднимает проблему, почему художественные критики часто становятся объектами скепсиса, а их вклад в развитие искусства вызывает серьёзные сомнения.

****

Читайте также:

Как сделать свою картину знаменитой? На примере Мона Лизы

Глазами художника — хлеб, который всему голова

Впечатление о выставке «Электроарт» Николая Полисского и артели «Никола-Ленивецкие промыслы»

Впечатление о выставке «Новое общество художников» в Музее русского импрессионизма

Короткая заметка 💡 Про внимание к художнику

****

Смотрите также:

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Сегодня, чтобы узнать, как выглядит бабочка, которая живёт на другом конце света, достаточно воспользоваться виртуальным помощником или ввести запрос в поисковую систему. В ответ мы получим множество фотографий этой бабочки, возможно, в разных ракурсах, на разных этапах её жизни и в разное время суток.

Другими словами, в современном мире, имея под рукой телефон или компьютер с выходом в интернет, получить представление о существах, далёких от нас, не составляет труда. В 18 веке ситуация была гораздо сложнее.

Художнику-натуралисту Джону Эбботу (1751-1841) предстояло преодолеть трудный путь через Атлантику, чтобы добраться из Лондона в Джеймстаун, столицу первой британской колонии в Северной Америке, расположенную в штате Вирджиния. Он отправился туда по заданию Королевского общества в Лондоне, которое, впечатлённое его великолепными иллюстрациями к энтомологическим работам, поручило ему с помощью своих рисунков представить образ птиц и насекомых Северной Америки.

Эбботу пришлось столкнуться с множеством испытаний: он переехал в другую страну, столкнулся с культурными различиями и жил в суровых условиях. Первые партии его иллюстраций были потеряны в море. Возможно, трудности, которые он испытывал, заставили его задуматься о возвращении домой в Лондон. Но к счастью для всех любителей иллюстраций и тех, кто интересуется окружающим миром, Эббот продолжал работать в течение многих лет.

Шли месяцы, и годы сменяли друг друга, а Эббот всё продолжал рисовать. Он служил в британской армии во время войны за независимость и не переставал заниматься творчеством. Он женился, у него родился сын, но он не оставил свое творчество. Даже после потери жены он не остановился, найдя утешение и смысл в работе художника.

Особое внимание онуделял редким и исчезающим видам птиц и насекомых. Благодаря Эбботу мы можем увидеть, как выглядели те виды, которые, к сожалению, уже не встречаются в наши дни.

К концу своей долгой жизни, которая более чем вдвое превысила ожидаемую продолжительность жизни в ту эпоху, он создал тысячи иллюстраций насекомых, включая местные растения, на которых они обитают и которые они опыляют, а также несколько видов птиц.

Сегодня его работы считаются одними из лучших произведений изобразительного искусства в истории науки и одними из лучших научных иллюстраций в истории искусства. Они хранятся и выставляются в музеях естественной истории и искусства по всему миру.

Лучшие из его работ собраны в книге «Естественная история редких чешуекрылых насекомых Джорджии», впервые опубликованной в 1797 году.

Рисунки Эббота созданы с целью помочь ученым, поэтому они должны быть точными и реалистичными с научной точки зрения. Однако нельзя не отметить талант и мастерство Эббота, ведь его работы также великолепны с эстетической стороны. Некоторые из его рисунков включены в эту статью.

Если человечество исчезнет, мир вернётся к состоянию равновесия, которое существовало десять тысяч лет назад. Если же исчезнут насекомые, окружающая среда погрузится в хаос.

Э. О. Уилсон

Насекомое устроено сложнее, чем звезда, и понять его не менее трудно.

Мартин Рис

В необъятности и в мельчайших деталях мы видим

Ясную поступь Бога,

Который придаёт блеск крылу насекомого

И возносит Свой трон над вращающимися мирами.

Уильям Каупер

— Бабочки — это не насекомые, — с уверенностью сказал капитан Джон Стерлинг. — Это самодвижущиеся цветы.

Роберт А. Хайнлайн

Мы можем представить, как спутники, планеты, солнца, вселенная, нет, целые системы вселенных управляются общими законами. Однако нам хотелось бы, чтобы даже мельчайшие насекомые были созданы сразу и уникально.

Чарльз Дарвин

В своей мудрости Бог создал муху, но не сказал нам, зачем.

Огден Нэш

Насекомые — удивительные существа, они очень похожи на людей. А может быть, это мы, мужчины и женщины, похожи на насекомых. Я встречал стрекоз — стремительных и сверкающих, и шершней — непривлекательных, но эффективных. Некоторые люди похожи на пчел, они занимаются приятным и бескорыстным трудом. А другие — как сверчки, они только стрекочут. Одни — как бабочки, они переливаются на солнце, а другие — как зловонные ползучие твари, прячутся в сырой земле и тени. Некоторые люди — как светлячки, они освещают тёмные места для других. А есть домашние мухи — любопытные, надоедливые и вредные…

Но все же каждый человек интересен, и ни одно насекомое не останется незамеченным, если его изучить. Интересно, на какое насекомое похож я? Моя семья, несомненно, назвала бы меня комаром.

Дороти Скарборо, «Энтомология на деревенской веранде»

Ночь была наполнена стрекотанием цикад. Эти насекомые находились в преддверии своего ежегодного преображения, достигая стадии линьки.

Впервые они появились в мае в виде медлительных, нелетающих жуков серовато-коричневого цвета. Но после достаточного воздействия тепла и солнечного света с ними происходили удивительные метаморфозы.

Сначала они находили дерево, дом или телефонный столб и начинали медленно и неуклюже карабкаться, ведомые каким-то бессмысленным инстинктом. Достигнув определенной высоты, известной только им, они крепко цеплялись за него, замирали и постепенно становились прозрачными. Их внешняя оболочка отслаивалась, и они, словно освобождаясь от прежних оков, поднимались в небо, превращаясь в стальных существ с крыльями, которые стрекотали, словно радостные гудки. Они оставляли позади свою пустую оболочку.

Эбби Джени,"Дикие земли»

****

Читайте также:

Работа мешает стать великим художником. Или нет? 🤔🙋‍♀️

В чем разница между художниками-профессионалами и любителями?

Художник говорит! 📣 Цитаты о цвете и колористике

Непорядку тут не место: Развенчание мифа про художника, который вечно ждет музу 👩‍🎨⏳

Где прочитать биографию неудачливого художника?

Короткая заметка 💡 Игорь Северянин художнику

Короткая заметка 💡 Про Пикассо, его первое слово, первую работу и успехи в учебе

Короткая заметка 💡 Про правило трех в искусстве

Короткая заметка 💡 Маргарита Алигер о красоте

****

Смотрите также:

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.

Работая над сюжетом, выбирая материалы и прорисовывая детали, важно помнить, для кого в итоге предназначено ваше произведение. Если вы пишете картину, чтобы её увидели другие люди, как знакомые, так и незнакомые, задумайтесь, что привлечёт их внимание, а что может оттолкнуть. Подумайте, что им может понравиться, а что, скорее всего, не вызовет восторга.

Вот несколько возможных причин, по которым картина может не понравиться зрителям:

1.     Сложность и непонятность произведения.

2.     Нарушение общепринятых норм морали.

3.     Эпатаж и провокационность.

4.     Размытость грани между искусством и неуважением к публике.

5.     Несоответствие ожиданиям зрителя.

6.     Неудачное сочетание цветов и форм.

7.     Отсутствие сюжета или глубокого смысла.

8.     Использование неподходящих материалов или техник.

9.     Неудачная композиция или перспектива.

10. Негативное влияние времени или условий экспонирования.

11. Недостаток мастерства художника.

12. Неактуальность темы для зрителя.

13. Отсутствие связи с культурными и историческими контекстами.

14. Неудачный выбор сюжета или идеи.

15. Недостаток оригинальности и индивидуальности.

16. Влияние модных тенденций и вкусов публики.

17. Отсутствие эмоционального отклика у зрителя.

18. Неудачное название произведения.

19. Неадекватная оценка произведения критиками или искусствоведами.

20. Влияние общественного мнения и предубеждений.

Эти причины могут быть применимы не только к изобразительному искусству, но и к другим формам, таким как театральные постановки, художественные фильмы и музыкальные произведения. Они описывают, что мы ценим и не ценим в искусстве, что вызывает у нас восторг и отторжение.

Учитываете ли вы какие-либо из этих факторов, когда создаете свои работы? Насколько важной для вас является обратная связь, которую вы ожидаете? Как это влияет на то, что и как вы изображаете на холсте?

****

Читайте также:

Хоакин Соролья: мастер солнечного света

Спокойствие, умиротворение и душевное тепло — глазами художников и словами поэтов

Дети глазами художников

«Потому что красиво»: как мы оцениваем произведение искусства 🤔🖼

Художника делает окружение: Микеланджело + Вазари = успех

Зачем платить меньше, когда можно заплатить больше? Нерушимый союз искусства и денег 🤝

Художник говорит! 📣 Цитаты о самих себе + пара слов про дневники художников

****

Смотрите также:

****

Все изображения приведены в информационных целях, а права на них принадлежат правообладателям.