Восприятие цвета художниками: Кандинский, Тернер, Моне и другие

Когда художник занимается творчеством, его неизбежно интересует вопрос: как он относится к цвету? Является ли для него цвет инструментом, который он использует в своей работе, или же это объект, который он стремится преобразить? Способствует ли цвет выражению чувств героев или он сам становится главным героем произведения? Достаточно ли ему самого цвета или же он лишь помогает раскрыть содержание? Выражает ли цвет что-то или же он существует сам по себе?

Отношение художников к цвету представляет собой обширное поле для увлекательных исследований. Можно встретить как холодные, так и страстные его интерпретации. Одни художники безоговорочно верят в силу цвета, в то время как другие не придают ему особого значения. Однако, несмотря на разнообразие подходов, можно прийти к одному выводу: к цвету нельзя относиться равнодушно. Рано или поздно каждый художник должен определиться с собственной позицией по этому вопросу.

В этой статье познакомимся с историями нескольких художников, чье скрупулезное отношение к цвету вдохновляет на размышления и поиск собственного творческого «я».

Уильям Тернер:

Уильям Тернер — выдающийся британский художник-романтик, гравер и акварелист, который прославился своими яркими и выразительными полотнами. Особенно впечатляют его морские пейзажи, пронизанные солнечным светом.

Тернер был особенно увлечён желтым цветом, что вызывало критику со стороны некоторых критиков, утверждавших, что его работы словно «поражены желтухой». Чтобы добиться насыщенных оттенков, художник экспериментировал с акварелью Indian Yellow — флуоресцентным пигментом, полученным из мочи коров, которых кормили манго. Также для усиления яркости своих картин Тернер применял синтетический жёлтый хром — пигмент на основе свинца, который, как известно, может вызывать галлюцинации.

Клод Моне:

Клод Моне говорил: «Цвет — это моя навязчивая идея, источник радости и мучений в течение всего дня». Он неустанно исследовал его, многократно рисуя один и тот же предмет в разное время суток и при различных погодных условиях, стремясь понять, как свет влияет на восприятие цвета. Эти работы он переработал в своей студии, рассматривая множество оттенков и настроений.

В своем совете художникам Моне писал: «Когда вы приступаете к рисованию, постарайтесь забыть о том, что перед вами — дерево, дом, поле или что-то иное. Просто представьте, что перед вами лежат маленький голубой квадратик, продолговатый розовый прямоугольник и желтая полоска. Нарисуйте их так, как они вам видятся, стараясь точно передать их цвет и форму».

Василий Кандинский:

В детстве Василий Кандинский овладел игрой на виолончели и фортепиано. Став художником, он осознал глубокую связь между искусством и музыкой. По его словам, «звучание цветов настолько выразительно, что трудно найти человека, способного передать ярко-желтый цвет с помощью базовых нот или тёмное озеро — с помощью высоких».

Василий Кандинский сравнивал цвет с клавиатурой, глаза — с гармонией, а душу — с пианино, наполненным множеством струн. Художник, по его мнению, подобен руке, которая, прикасаясь к клавишам, вызывает вибрации в душе.

Василий Кандинский был уверен, что цвета и формы могут оказывать влияние на наше настроение и вызывать психические вибрации. Он писал: «Цвет скрывает силу, до сих пор неизвестную, но реальную, которая воздействует на каждую часть человеческого тела».

Анри Матисс:

Анри Матисс считал, что главная цель цвета — помочь художнику выразить свои мысли и чувства. Он говорил: «Цвет передаёт свет, не физический, а тот единственный свет, который существует на самом деле — свет в голове художника».

Анри Матисс также признавал, что раньше, когда он не мог определиться с выбором цвета для картины, он рисовал чёрным. Он считал, что чёрный цвет обладает силой, и использовал его, чтобы упростить композицию. Однако со временем он отказался от чёрного в пользу других цветов.

Хелен Франкенталер:

Хелен Франкенталер была талантливой художницей, которая всегда стремилась к новаторству в использовании цвета. На протяжении всей своей карьеры она развивала свои идеи, создавая масштабные абстрактные экспрессионистские полотна.

В начале 1950-х годов Хелен начала выставлять свои работы в современных музеях и галереях, где они сразу привлекли внимание благодаря своей яркости и экспрессивности. Для художницы было важно, чтобы ее картины выглядели как результат мгновенного вдохновения. Как она сама выразилась: «По-настоящему хорошая картина выглядит так, будто она была создана сразу».

В 1960-х годах она начала добавлять цветные полоски по краям своих картин, что делало края неотъемлемой частью композиции. Она также стала использовать отдельные пятна и кляксы сплошного цвета на белом фоне, часто в виде геометрических фигур.

К 1970-м годам она начала работать с более густой краской, что позволило ей создавать яркие, почти фовистические работы. На протяжении 1970-х годов Франкенталер исследовала способы объединения различных областей холста с помощью модулированных оттенков и экспериментировала с крупными абстрактными формами.

Ее работы 1980-х годов были гораздо более спокойными, с использованием приглушенных цветов и непринужденной манеры письма.

Джорджия О’Кифф:

Ярким примером того, как можно использовать как схожие, так и контрастные цвета, чтобы создать ощущение энергии, смелости и гармонии, является картина Джорджии О’Кифф «Отражение в озере Джордж». В этом произведении искусства О’Кифф направляет зрителя в нужное ей русло.

Противоположные цвета — оттенки красного и зеленого — подчеркивают силу и контраст. В то же время, аналогичные цвета — красный на фоне фиолетового и синий с зеленым — создают атмосферу умиротворения и безмятежности.

Также стоит обратить внимание на то, как она использует черно-белый цвет, который пересекает центр холста. Без этого приема картина не обладала бы такой великолепной интенсивностью и равновесием.

Джотто:

В большинстве древних культур золотой цвет олицетворял солнце и дух Божий. Однако в эпоху позднего Средневековья, когда жил Джотто, итальянский художник и архитектор из Флоренции, всё изменилось.

Джотто был убеждён, что синий цвет символизирует небеса и вечную жизнь. Он был настолько одержим этой идеей, что выкрасил потолок часовни Скровеньи в ярко-голубой цвет. Это было настоящим отступлением от традиционного использования золота, которое ассоциировалось с богатством и величием.

Голубое небо, занимающее большую часть многих сцен в соборе, создаёт ощущение безграничных возможностей и объединяет всё вокруг.

Винсент Ван Гог:

Винсент Ван Гог в своих работах часто проявлял глубокий интерес к цвету. Он писал: «…художник будущего будет колористом, подобного которому ещё не видел мир. Я уверен, что прав, полагая, что это произойдёт в более позднем поколении, и мы должны сделать всё возможное, чтобы поощрять это, без каких-либо сомнений и жалоб».

Ван Гог осознавал, насколько тесно связаны между собой цвета. Он утверждал: «Нет синего без жёлтого, и нет жёлтого без оранжевого».

Пабло Пикассо:

Как известно, трёхлетний «голубой период» в творчестве Пикассо, который длился с 1901 по 1904 год, был связан с глубокой депрессией, вызванной трагической гибелью его близкого друга Карлоса Касагемаса. Эта утрата стала огромным потрясением для художника, который из жизнерадостного и общительного человека превратился в затворника, погружённого в пучину отчаяния. Карл Юнг даже предположил, что психическое состояние Пикассо можно сравнить с шизофренией.

Возможно, самой известной работой этого периода является «Старый гитарист», на которой изображен старый нищий в рваной одежде, играющий на улицах Барселоны, Испания. Серия работ Пикассо под названием «Голубая серия» демонстрирует, как синий цвет, используемый в больших количествах, как это делал Пикассо, может погрузить зрителя в состояние уныния и меланхолии.

Марк Ротко:

Марк Ротко был одним из самых ярких представителей течения «Поле цвета», наряду с Хелен Франкенталер, Барнеттом Ньюманом и Клиффордом Стиллом.

Ротко видел в цвете инструмент, способный вызывать у людей самые глубокие эмоции. Каждая его работа была создана с целью вызвать разнообразные реакции у зрителей. Он достигал этого, используя многослойные сочетания цветов.

Картина «Белый центр» представляет собой яркий пример фирменного мультиформного стиля Ротко. На большом холсте переливаются несколько блоков многослойных цветов.

Уильям С. Рубин, бывший главный куратор Музея живописи и скульптуры в Нью-Йорке, писал о работах Ротко: «Его цветные прямоугольники, казалось, дематериализовались в чистый свет…».

Фернан Леже:

В своей работе «О монументальности и цвете», опубликованной в 1943 году, французский художник и скульптор Фернан Леже писал: «Тяга к цвету — это естественная потребность, такая же, как к воде и огню. Цвет — это основа, необходимая для жизни. В каждую эпоху своего существования и истории человек связывал цвет со своими радостями, поступками и удовольствиями».

Леже также отмечал: «Я создаю контраст между цветами, линиями и изгибами. Я противопоставляю кривые прямым линиям, цветные пятна — пластичным формам, а чистые цвета — тонким оттенкам серого».

Его стилизованные изображения взаимосвязанных геометрических фигур в сжатом, хаотичном композиционном пространстве отражают энергию современной жизни. Леже развивал свой кубистический словарь, в основном опираясь на поддержку салонных кубистов — художников, скульпторов и критиков, которые создали более красочную, разборчивую и публичную версию кубизма по сравнению с работами Жоржа Брака и Пабло Пикассо.

****